Böcker utgivna av Hirmer Verlag GmbH

Reverberations of the young rebels and influencers in the artist group Brücke. The artist group Brücke is Germany's most important contribution to international modernism. The group was formed in Dresden in 1905 by four young architecture students: Ernst Ludwig Kirchner, Otto Bleyl, Erich Heckel, and Karl Schmidt-Rottluff. Together they developed a painting style with vivid colors, simplified forms, and large color fields that express internal feelings rather than reproducing an external reality. The group disbanded in 1913, but their collaboration and marketing strategies have been inspirational for several generations of artists. These young artists wanted to renew art and life in the German Imperial Empire and break with the prevailing moral norms of the day. They were interested in topics like man and nature; the naked body; portraits; self-portraits; the merging of life and art; and life in the vibrant metropolis of Berlin. In a time like the present, when a young generation feels the need for a new way of living, thinking, and organizing, reflecting on Brücke feels particularly relevant.

How medieval Gothic art inspired a generation. Gothic Modern illuminates the pivotal discovery of medieval Gothic art for Edvard Munch, Käthe Kollwitz, and their artist contemporaries. It explores their deep attraction to the Gothic art of Europe's north and German lands via paintings, prints, and other artistic media to imagine a new Gothic modernity, unlocking a different energy of modern art and creative experiment beyond nation-centric stories. Juliet Simpson and Anna-Maria von Bonsdorff recreate a distant and tantalizing Gothic age. They present a reimagining of Gothic art between the 1870s and 1920s to create new visions of the artist, belonging, modern society, sexuality, spirituality, and identity. Dark or radiant, enchanted or uncanny, these sites of Gothic modernity inspired Munch's and Kollwitz's generation with urgent imaginaries for creating worlds.

Symbols of freedom, power, and passion in the work of contemporary artist Robert Longo. Robert Longo's work captures moments of tension in nature, politics, and history at their emotional climax. Presented at a monumental scale, the size and virtuoso technique of his photorealistic charcoal drawings enhance his powerful imagery. Based on photographs and found images, Longo's drawings tap into cultural and collective memories. In the translation from the intimate drawing process to the massive scale of his final works, his motifs become a powerful presence. Political events and social observations influence his choice of design elements, which he isolates and reduces to heighten their visual impact. Using the stylistic devices of magnification and chiaroscuro, his work can seem equally real and unreal. He emphasizes the spatial depth and plasticity of his subjects, using the deep blackness of charcoal on paper to absorb all light. This book presents ninety full-color images to explore the work of this groundbreaking contemporary artist.

An exciting retrospective on Austrian artist and sculptor Erwin Wurm. With his sculptures of fat cars, tiny houses, cucumbers, bread rolls, and sausages, Erwin Wurm shines a critical spotlight on consumer society's manipulative mechanisms and their effects. Published to coincide with the artist's seventieth birthday, this extensive catalog documents the important stations of Erwin Wurm's artistic career to date. Wurm uses shifted proportions and new angles on objects of everyday life to gain new perspectives and insights into our world and our lives. Alongside his main works, this book also introduces the public to lesser-known but equally significant works and work groups. The resulting selection forms a dense network of artistic statements comprising sculptures, drawings, working instructions and documentation, videos, objects, photographs, and paintings.

The lasting influence of a master of Dutch painting. More than any other artist, the painter Rembrandt developed charisma through the outstanding quality and originality of his works and the organization of his workshop. His pupils and successors continued his style as the Rembrandt brand with an appeal that has remained unbroken to this day. This book poses the question: Why did Rembrandt's art both affect contemporary painters and attract generations of collectors and present-day viewers? This magnificent volume examines the great master's remarkable talent for portraying emotions and passions, his sketch-like openness, and his focus on essentials. Further, it explores his ability to pass on the particular features of his painting style while at the same time encouraging the artistic individuality of his pupils. Through some 120 paintings, drawings, and etchings by Rembrandt and his pupils, this book affords fascinating insights into Dutch painting in the seventeenth century.

A handbook to the Kalamazoo Institute of Arts. Delve into a collection a century in the making with Legendary Selections from the Kalamazoo Institute of Arts, a handbook highlighting the museum's collection of legendary artworks from the United States and around the world, encompassing works by celebrated artists from Ansel Adams to Kay Walking Stick. For one hundred years, the Kalamazoo Institute of Arts has served regional and national audiences as an art museum and community-based art school. This handbook highlights its collection of nearly five thousand works, including an exceptional group of artworks from the United States and around the world. Explore majestic and compelling photographs by Ansel Adams to Dawoud Bey; depictions of the immigrant experience by Diego Rivera to Dulce Pinzón; the awe-inspiring and dynamic paintings of Robert Seldon Duncansen to Helen Frankenthaler; and singular sculptural works by Deborah Butterfield to Richard Hunt. Be inspired by the stories of local, regional, and national artists and curatorial voices that will illuminate the expansiveness of this unique Michigan-based collection.

The first book to explore David Smith's deep engagement with the natural world as source, subject, and site for his art. Spanning the full career of the sculptor David Smith (1906-65), this study features some fifty sculptures alongside related paintings, reliefs, and works on paper to reclaim the primacy of nature within his expansive oeuvre. Smith's adventurous approach to three-dimensional form has permanently expanded the vocabulary and range of sculptural practice. The first American artist to make welded metal sculptures and incorporate industrial means in his work, Smith's enlistment of nature as material and prime setting for his art was equally innovative. As explored in the book's introduction, reflections by the artist's daughters, and an essay by Jed Morse, Smith's creative vision is firmly rooted in landscape and the natural world.

A look at an artist whose work crosses the boundaries between painting and sculpture and walks the sensitive line between abstract and representation. Zigi Ben-Haim is a painter and sculptor who works with aluminum, wire mesh, burlap, newsprint, and unconventional materials. His constant reinvention gives his work a dynamic and powerful vibration that sparks curiosity in its viewers and never fails to surprise. The creative essence of Ben-Haim's work lies in balancing the tension between opposites, keeping the work exciting while constantly introducing new materials and images. He finds ways to introduce new personal, natural, and urban environments to highlight his direct and unpredictable concepts. Observing his paintings, sculptures, or drawings on paper, one can feel the movement of the colors that are inspired by our natural world. His art is a blend of recycled materials and profound symbolism, inviting viewers to explore the layers of meaning in each piece. Including 175 color images, this book explores Ben-Haim's five decades as a global artist.

A fresh look at a unique masterpiece of Indo-Tibetan art. Over one thousand years old, the Buddhist monastery complex of Tabo and its exquisitely preserved works of art rank among the most fascinating cultural and historical treasures of mankind. The new edition of this richly illustrated volume shows the beauty of these legendary sanctuaries for the first time in the highest digital resolution and describes in detail the entire gamut of Western Tibetan artistic styles. The monastery of Tabo, located in the northern Indian Himalayan region and founded in 996 AD, is the oldest temple complex in the Tibetan cultural area that has been preserved in its original state. Tabo's main temple, the Temple of the Enlightened Gods, is a unique work of art: one-thousand-year-old sculptures and paintings, created in an incomparably fine style by Indian and Western Tibetan artists, together form a walk-in, horizontal mandala. With special permission, Peter van Ham was able to spend decades photographing the temple halls, which are otherwise off-limits to cameras. Most recently, he was able to capture them in the world's highest digital resolution. With four hundred images--150 of them new to this edition--the book provides detailed background information and the latest research findings on the spectacular yet endangered sanctuary.

Art, climate change, and geopolitics at a time of rapid social and technological change. The Distant Early Warning Line, also known as the DEW Line, was a system of radar stations in the northern Arctic region of Canada, with additional stations along the north coast and Aleutian Islands of Alaska and the Faroe Islands, Greenland, and Iceland. It intended to detect incoming bombers of the Soviet Union during the Cold War and provide early warning of any sea and land invasion. Today, the Arctic is seen as a place primed for data storage and vaults--doomsday structures with a utilitarian vernacular of architecture, protecting the "knowledge" of places further south rather than recognizing the local presence and expertise of place and Indigenous lifeways and Indigenous science. This book looks at the role of artists as early warning systems and explores the ways we connect and disconnect place and people through technology and the ideas of boundaries. With the DEW Line as a framework, Julie Decker examines ideologies of warning. The DEW Line is a symbol of both the past and future. Today, we think about planetary boundaries, the boundaries of survival, and other human limits.

An exploration of Paula Rego's complex heroines and modern fairy-tale pictures. The female protagonists of the Portuguese-British artist Paula Rego either come from real life or derive from the world's great legends, fairy tales, and myths. As complicated heroines of our time, they have endured illegal abortions or fought against the limitations of traditional gender roles instead of dragons. "My favorite themes are power games and hierarchies." Rego's oeuvre is a tour de force of creativity. Endlessly versatile and inexhaustible, it is deeply rooted in pictorial worlds and stories from both past and present. This volume approaches the remarkable wealth of Rego's multi-faceted universe through a range of different perspectives and tells of the power of history and emotions, women's rights, and invisible structures of domination.

Two Bauhaus masters and their impressive contributions to the art of textile design. Gunta Stölzl (1897-1983) and the prominent Swiss artist Johannes Itten (1888-1967) were Bauhaus teachers who met in the experimental field during their time at the Bauhaus in Weimar. This volume takes a look at the artistic pairing and assembles in picturesque detail their impressive contributions to Swiss textile art. Few people are aware that Itten made an in-depth study of textile design. Accordingly, this book invites readers to rediscover him as a textile designer in conjunction with Stölzl, who has a place in art history as a "classic of textile art." Both artists left Nazi Germany in the 1930s and explored innovations in ornamental and textile forms. Their work revived textile art in Switzerland with new ways of inventing forms and ornamentation and helped establish a network of modern Swiss textile art.

A comprehensive overview of Santiago Calatrava's art that offers a new perspective on a world-renowned architect. Santiago Calatrava is primarily known for his spectacular architectural feats that span the globe. Yet he has never limited himself to architecture alone--rather, he sees himself as an artist. Art represents for Calatrava the purest path for conveying emotion. This comprehensive publication is completely devoted to Calatrava's art, revealing his unmistakable style and profound creativity. In Calatrava's mind, there has never been a separation between architecture and art. Both have been a source of nourishment and a laboratory of expression, with the goal of finding a personal language. With large reproductions and a wide selection of works, the two hundred images in this book detail an oeuvre that has been silently growing throughout Calatrava's life in a multitude of mediums. His artworks have been shown in tandem with his architecture in the world's top museums, but this book presents his artistic work in its entirety for the first time.

Überleben ist eine gemeinschaftliche Praxis. Wir können es nicht allein tun; wir brauchen einander. Wir brauchen Werkzeuge und Praktiken, die uns helfen, uns zu verbinden, zu verstehen, gemeinsam zu bauen, zu überleben in diesem Zeitalter der Klimakrise, des technologischen Umbruchs, des existenziellen Schmerzes. Wir brauchen Worte, Werte und Ideen, die über den menschlichen Raum hinausgehen. Wir müssen lernen; und wir müssen verlernen. Wir brauchen ein Handbuch fürs Überleben.Die Kunst in diesem Buch setzt sich mit der Natur auseinander, mit den planetarischen, transzendentalen Fragen der globalen Zusammenhänge sowie mit der Gemeinschaft, dem Sinn für das Spielerische, der Zusammengehörigkeit und den gemeinsamen Erfahrungen durch die Kultur. Ein hochwertiges und reich bebildertes Buch mit innovativen Texten, die der Idee folgen, dass wir lernen müssen, in Widersprüchen zu leben und zu denken, ohne uns selbst zu verlieren.Künstler*innen:Panteha Abareshi, Yalda Afsah, Abbas Akhavan, Assemble, Mohammed Bourouissa, Andrea Bowers, James Bridle, Sam Chermayeff, Edith Dekyndt, Simon Denny, Cao Fei, Liam Gillick, Lawrence Abu Hamdan, Lubiana Himid, Leon Kahane, Kablusiak, Paul Kolling, Carolyn Lazard, Sharon Lockhart, Taus Makhacheva, Shaun Motsi, Goshka Macuga, Jota Mombaça, New Red Order (NRO), Olaf Nicolai, Christelle Oyiri, Celine Pages & Christine Marchal, Trevor Paglen, Grayson Perry, Bruno Serralongue, Jeremy Shaw, Charles Stankievech, Ron Terada, Syrus Marcus Ware, Emmanuel Van der Auwera, u.a.

Wild, frei, flüchtig - Street Art und Graffiti sind ein weltweites Phänomen. Von Brassaï, der Graffiti um 1960 in die Mainstream-Kunst führte, über den Sprayer von Zürich in den 1970er-Jahren bis zu den ersten Banksy-Werken im Vereinigten Königreich - Illegal erzählt die Frühgeschichte von Street Art und Graffiti. Warum gerade diese Künstler*innen schon vor Banksy wichtige Trends für Street Art und Graffiti setzten, erschließt sich aus den Werken von rund 100 Vandal*innen aus mehr als einem Dutzend Ländern.Kaum eine dieser Arbeiten existiert heute noch, und wenn sie dokumentiert sind, dann geschah das oft selbst illegal und unter widrigen Bedingungen. Abgebildet sind hier Schlüsselwerke und Raritäten, die noch nie gezeigt wurden. Alle wurden illegal, d.h. ohne Genehmigung, direkt für ein Publikum auf der Straße geschaffen - nicht für museale Kontexte. Künstler:innenAlex Vallauri | Bando | Banksy | Barbara 62/Eva 62 | Blek le Rat | Brassaï | Martha Cooper | Christo/Jeanne-Claude |George Condo | Daniel Buren | Daze | Harald Naegeli | Ernest-Pignon-Ernest | Jane Bauman | Jérôme Mesnager | Jill Posener | Guerrilla Girls| Jenny Holzer | Keith Haring | Lee Quiñones | Marcus Krips | Richard Hambleton | SAMO© [Jean-Michel Basquiat & Al Diaz] | SONER | Crass /Gee Vaucher | David Wojnarowicz | Walter Dahn | Jerzy Trelinski |Gerard Zlotykamien u.a.

Wie stellen Künstler sicher, dass ihr Werk auch in späteren Jahrhunderten noch bekannt ist? Wie erreichen sie ein geographisch fernes Publikum? Um 1600 lautet die Antwort darauf: durch Druckgraphik. Mit hochkarätigen Werken zeigen Hendrick Goltzius (1558-1617) und Peter Paul Rubens (1577-1640) wie man auf diese Weise internationalen Erfolg erzielte.Da leicht zu vervielfältigen und zu verschicken, avancierte die Druckgraphik um 1600 zum perfekten Gesandten im kunstdiplomatischen Dienst der eigenen Sache. Anhand von 160 virtuosen Kupferstichen zeigt der Band, wie innovativ und strategisch klug Goltzius und Rubens das Medium nutzten, um das Publikum zu betören, Begehrlichkeiten zu wecken und die eigenen künstlerischen Neuschöpfungen zu verbreiten. Neben den Gemälden wurden die Stiche zu begehrten Sammelobjekten, die die Karriere der beiden Maler entscheidend beflügelten.

Kunstsammlerin, Mäzenin und Vermittlerin - Hanna Bekker vom Rath (1893-1983) war Wegbereiterin der künstlerischen Avantgarde und eine der bedeutendsten weiblichen Persönlichkeiten der Vor- und Nachkriegsmoderne in Deutschland. Mit Karl Schmidt-Rottluff, Alexej von Jawlensky, Ida Kerkorius oder Paul Klee war sie befreundet. Der Band bietet in dichter Illustration ein lebendiges Bild einer außergewöhnlichen Frau.Ein Refugium für die Moderne - Hanna Bekker vom Rath förderte auf vielfältige Weise die Kunst der Brücke und Avantgarde. Ihr »Blaues Haus« in Hofheim diente - auch zu Zeiten des Nationalsozialismus als - intimer Austausch- und Ausstellungsraum für befreundete Künstlerinnen und Künstler. Nach dem Krieg gründete sie das Frankfurter Kunstkabinett, die erste Nachkriegsgalerie der Stadt, und war auf zahlreichen internationalen Reisen für die moderne Kunst im Einsatz. Text und Bild zeichnen ein facettenreiches Porträt einer »Botschafterin der Kunst« und dokumentieren die Strahlkraft ihres Schaffens.KÜNSTLER:INNENWilli Baumeister | Hanna Bekker | Wilhelm Haerlin | Alexej von Jawlensky | Ida Kerkorius | August Macke | Emy Roeder | Karl Schmidt-Rottluff | Louise Stomps | Benno Walldorf

Sinnlich, mutig und aktuell - der abwechslungsreich illustrierte Band befasst sich mit dem ganzen Spektrum jüdischer Haltungen zur Sexualität. Damit stellt er weitverbreitete wie widersprüchliche Stereotypen auf den Prüfstand, nach denen das Judentum Sexualität besonders positiv oder aber mit besonders strengen Regeln und Einschränkungen begegne."Heiliger Sex", "Kontrolle und Begehren", "Macht und Fantasie", "Ritual und Sinnlichkeit" - der grundlegende Band greift zentrale Aspekte des Themas auf und gibt umfassend Einblick: in Erklärungen zu rabbinischen Vorschriften und in die Geschichte von Sexualität im Judentum, in den Umgang ultraorthodoxer Frauen mit strengen Vorschriften rund um Intimität, in Sexualität in Film und Kunst sowie in die Erfahrungen einer jüdischen Paar- und Sexualtherapeutin. Eine interdisziplinäre Überblicksdarstellung, die transparent informiert und überrascht.KÜNSTLER:INNENJudy Chicago, Nicole Eisenman, Ronald B. Kitaj, Roee Rosen, Gil Yefman u. a.

Nach der Zusammenführung dreier bedeutender Winterthurer Sammlungen zum Kunst Museum Winterthur werden in dem Band die Highlights der drei Häuser erstmals prächtig bebildert vorgestellt: von Rembrandt über Caspar David Friedrich bis Vincent van Gogh, von Pablo Picasso über Alberto Giacometti und Sophie Taueber-Arp bis Isa Genzken und Gerhard Richter.Das Kunst Museum Winterthur feiert im Jahr 2024 die Wiedereröffnung der Villa Flora. Damit wird der Zusammenschluss dreier Häuser und Sammlungen unter einem Dach in einem opulenten Bildband besiegelt. Der Katalog präsentiert die Museumsschätze des Kunstvereins Winterthur, der Stiftung Oskar Reinhart und der Hahnloser/Jäggli Stiftung mit 200 Meisterwerken klassischer Malerei, Skulptur und Graphik sowie jüngerer Medien wie Videoarbeiten und Installationen, die den Bogen vom Barock bis in die Gegenwart spannen.Mit Werken vonRembrandt van RijnJacob van RuisdaelCaspar David FriedrichFerdinand HodlerGiovanni GiacomettiMax LiebermannMax BeckmannClaude MonetEdouard ManetFélix VallottonPierre BonnardÉdouard VuillardVincent van GoghPiet MondrianSophie Taeuber-ArpPablo PicassoAlberto GiacomettiGiorgio MorandiLucio FontanaMario MerzMarisa MerzJohn ChamberlainAgnes MartinCarl AndréRobert MangoldRichard HamiltonLawrence WienerMaria LassnigRita McBrideIsa GenzkenGerhard RichterKatinka BockDavid ClaerboutCharlotte ProdgerOscar Tuazon u. a.

The three-dimensional artworks of Peter Weber (b. 1944) reflect a stunning technique: each work is created from a single piece of material that is intricately folded--all without making a single cut to the material's surface. Now, after an astonishing fifty-year career, the artist is receiving fresh recognition for his brilliance in the form of the two-volume catalogue raisonné Peter Weber. Weber's artistic path reveals a strong affinity for abstraction and the principle of wholeness. After studying design at the Hamburg University of Applied Sciences, Weber focused on concrete art. His early work as a painter was influenced by op art and imaginary space, but he soon became fascinated with the mathematical possibilities inherent in the technique of folding. In addition to felt and paper, Weber folds a variety of other materials, such as linen, cotton, plastic, and even steel. The first volume of the catalogue raisonné, Structure and Folding, outlines seven major groupings within Weber's body of work and contextualizes them with explanatory essays. The second volume, Catalogue Raisonné 1968-2018, lists Weber's more than 1,700 works in chronological order. With over fifteen hundred color illustrations, these two volumes stand as the most authoritative source on Weber to date.

Verborgen, verblasst und verrostet finden sich am Straßenrand Schilder, die in Schrift und assoziativen Bildern ihren Bezug zur Realität verloren haben - als seien sie in der Landschaft vergessen worden. Die Fotografin Eva-Maria Fahrner-Tutsek hat diese aus der Zeit gefallenen Überreste in Ibiza aufgespürt und zeigt sie in einer poetischen Fotopublikation als Reminiszenz an das Vergangene.Ein Mann mit Hut eilt über den Zebrastreifen, ein Mädchen mit Zöpfen auf dem Schulweg, Hinweise auf längst geschlossene Restaurants, Piktogramme von lange aus dem Verkehr gezogenen Automobilen: Mit ihrer Kamera erlöst Eva-Maria Fahrner-Tutsek die veralteten Schilder Ibizas aus ihrem Zustand des Unbeachtet Seins. Die Fotografien enthüllen sowohl die humor- als auch kunstvolle Seite, die Zeit und Witterung hinterlassen haben. Ein fotografisches Kleinod über die Vergänglichkeit.

In der Postmoderne zeichnen sich Konflikte der Gegenwart, vom Rechtspopulismus bis zur Identitätspolitik, bereits ab. Spektakuläre Beispiele aus Design, Architektur, Kino, Pop, Philosophie, Kunst und Literatur erzählen vom Beginn der Informationsgesellschaft, von der Entfesselung der Finanzmärkte, von Subkulturen, Disco, Punk, Techno-Pop, Schulterpolstern und Memphis-Möbeln.1967 begann unsere Gegenwart: Die Moderne, die glaubte, alles sortieren zu können mit gleichen Häusern, Möbeln und Rechten für alle, wurde verabschiedet, und aus ihren Ruinen entstand eine bizarre, exzentrische Welt. Architekt*innen erklärten den Vergnügungspark zur idealen Stadt, Designer*innen befreiten sich vom guten Geschmack, Selbstverwirklichung trat an die Stelle der Systemkämpfe, und neue Medien synchronisierten den Globus. Der Band ist ein Standardwerk zur Postmoderne, opulent und breit angelegt in Bildern und Texten verschiedener Disziplinen.Künstler*innen:Aldo Rossi, Alessandro Mendini, Andy Warhol, Arata Isozaki, Charles Jencks, Charles Moore, Coop Himmelb(l)au, David Byrne, David Hockney, David Lynch, Denise Scott Brown, Donald Barthelme, Donna Haraway, Ed Ruscha, Ettore Sottsass, Félix Guattari, Frank Gehry, Frederic Jameson, Gaetano Pesce, General Idea, Gilles Deleuze, Gustav Peichl, Hans Hollein, Harumi Yamaguchi, J.G. Ballard, Jacques Derrida, James Stirling, James Wines, Jean-Luc Godard, Jenny Holzer, John Landis, John Portman, Judith Butler, Kraftwerk, Leonard Koren, Leslie Fiedler, Linder Sterling, Louise Lawler, Lucinda Childs, Madelon Vriesendorp, Makato Nakamura, Marshall McLuhan, Martin Margiela, Michel Foucault, Nam June Paik, Neville Brody, Nigel Coates, Óscar Tusquets, Oswald Mathias Ungers, Pedro Almodóvar, Peter Eisenman, Rem Koolhaas, Renzo Piano, Ricardo Bofill, Richard Rogers, Ridley Scott, Robert Venturi, Robert Wilson, Robert Wyatt, Roland Barthes, Sally Potter, Shin Tamakatsu, SITE, Stanley Kubrick, Stanley Tigerman, Stephen King, Stewart Brand, Studio 65, Sturtevant, Terry Farrell, Thomas Gordon Smith, Thomas Pynchon, Trisha Brown, Van Dyke Parks, Walter Pichler, Werner Rösler, Yellow Magic Orchestra, u.v.m.

Schönheit, Schrecken, Erhabenheit, Ehrfurcht - Bergwelten faszinieren den Menschen seit jeher. Stephan Huber erklimmt die schneebedeckten Gipfel "en miniature". In seinen Skulpturen formt er das Relief der Berge nach und kreiert theatralisch anmutende, objekthafte Arbeiten. Der umfangreiche Band gibt bildgewaltig den alpinen Kosmos wieder, mit dem sich Huber seit über vier Jahrzehnten beschäftigt.Stephan Hubers "Berge" finden sich überall wieder: In Museen wie der Hamburger Kunsthalle, dem Bonner Kunstmuseum oder dem Messner Mountain Museum, aber auch als Großinstallationen im öffentlichen Raum. International beachtet wurde sein monumentaler Beitrag für die Venedig Biennale 1999. Das Buch versammelt neben den berühmten schneeweißen Gipfelskulpturen auch frühe Buchobjekte, fiktionale Expeditionen, Multiples und Ausstellungsansichten. Essays und ein ausführliches Gespräch mit Reinhold Messner über die inneren und äußeren Bergwelten runden den Band ab.

Jasper Johns (* 1930) zählt zu den bedeutendsten amerikanischen Malern des 20. Jahrhunderts. Kaum bekannt ist hingegen, dass der Künstler auch ein passionierter Sammler ist. Der bibliophile Band bietet mit einer Auswahl von über 100 Zeichnungen Gelegenheit, die Vielfalt dieser einzigartigen Sammlung zu entdecken.Von Paul Cézanne über Pablo Picasso bis zu Willem de Kooning - Jasper Johns ermöglicht mit seiner Sammlung überraschende Gegenüberstellungen. Wie die Qualität der Zeichnungen zeigt, wählt Johns mit dem sicheren Blick eines Connaisseurs. Viele Werke zeugen zudem von Freundschaften zu anderen Künstlerinnen und Künstlern. Rund 50 Positionen treten in diesem Katalog in einen inspirierenden Dialog, der Laien und Experten gleichermaßen zu faszinieren weiß.GESAMMELTE WERKE VONJohn Cage | Paul Cézanne | Merce Cunningham | Edgar Degas | Marcel Duchamp | Jacob Epstein Eric Fischl | Dan Flavin | Johann Heinrich Füssli | Paul Gauguin | Alberto Giacometti | Juan Gris Kim Jones | Franz Kline | Käthe Kollwitz | Elaine de Kooning | Willem de Kooning | Sol LeWitt René Magritte | Brice Marden | Henri Matisse | Robert Morris | Barnett Newman | Pablo Picasso Robert Rauschenberg | Odilon Redon | Frank Stella | Cy Twombly | Terry Winters u. a.

Katharina Cibulka und ihr Team montieren seit 2018 von Hand bestickte Gerüstnetze an gut frequentierte, prominente Baustellen und regen Passant:innen durch gesellschaftspolitische Botschaften zu Diskussionen an. Ein Satz, der mit Solange beginnt und bin ichFeminist:in endet, verweist auf bestehende Ungleichheiten.SOLANGE ist international und spricht alle Sprachen. Die Kunst-Interventionen finden an Museen, Universitäten, Kirchen und Festungen von Wien über Köln, Ljubljana, Rabat bis Washington D.C. statt. Die Themen werden partizipativ vor Ort erarbeitet. SOLANGE sensibilisiert jenseits der feministischen Bubble für Gender-Equality - auch über Instagram. Der reich bebilderte Band führt durch die bislang 28 Projekte in 7 Ländern und gibt Einblicke in Hintergrundgeschichten sowie die Rezeption in der Öffentlichkeit.

Gottfried Helnweins (* 1948) Gemälde von Kindern berühren und verstören zugleich. Der hyperrealistische Charakter seiner Bilder verstärkt diesen Effekt zusätzlich. Das verletzbare und wehrlose Kind dient dem Künstler als zentrales Motiv in der Auseinandersetzung mit den Themen Schmerz, Verletzung und Gewalt. Der Katalog gibt einen Überblick über das Schaffen der letzten zwanzig Jahre.Das Kind in Helnweins Arbeiten verkörpert stellvertretend psychologische und gesellschaftliche Ängste. Der Künstler setzt seine Darstellungen auch dazu ein, Nationalsozialismus und Holocaust oder das Tabuthema des Missbrauchs anzuprangern. Helnwein gilt bis heute als Provokateur. Mit seinen Werken, die nach fotografischen Vorlagen entstehen und durch ihre technische Perfektion bestechen, gelingt es ihm nach wie vor, Menschen aufzurütteln. »Meine Bilder haben schockiert, weil ich sichtbar gemacht habe, was die Leute lieber unsichtbar gelassen hätten.«

Rau, ungeschönt, in konservativen Kreisen als »Rinnsteinkunst« verschrien: Kompromisslos setzt Käthe Kollwitz ihre Kunst als politisches Sprachmittel für das soziale und humane Elend ihrer Zeit ein. Stets steht dabei die Würde des Menschen im Fokus. Der Band gibt einen umfassenden Einblick in Engagement und Schaffen der Künstlerin, deren Werk aktueller denn je ist.Mit den weltberühmten Grafikzyklen Ein Weberaufstand und Bauernkrieg, seltenen Probedrucken sowie berührenden Zeichnungen und Skulpturen deckt das Buch das gesamte Spektrum von Kollwitz' Wirken ab und zeigt alle Facetten ihres virtuosen Könnens. Besonders eindrucksvoll wird die politische Dimension ihrer Kunst anhand ihrer Plakate greifbar. Die ungebrochene Gültigkeit ihres Werks führt die Gegenüberstellung mit den Interventionen der Künstlerin Mona Hatoum (* 1952) vor Augen, die um Themen wie Verletzlichkeit, Vertreibung und Konflikterfahrung kreisen.

Katharina Grosse (* 1961) schafft in drei historischen Räumlichkeiten der Albertina begehbare Kunstwerke. Die vibrierenden Farbfelder breiten sich auf Wand, Decke und Boden aus, überschreiten räumliche und gedankliche Grenzen. Sie überwältigen durch ihre Kraft, Intensität und die schiere Größe. Der Katalog dokumentiert die dreidimensionale Bildwelt mit detailreichen Installationsfotos und Bildern aus dem Atelier. Expansion und permanente Grenzüberschreitung, Freiheit und Autonomie bilden die Grundpfeiler von Grosses OEuvre. Wie das wilde Denken ist ihr Schaffen experimentell und unberechenbar. Zahlreiche Fotos aus dem privaten Archiv der Künstlerin bieten Einblick in Ihre Arbeitsweise, Inspirationsquellen und Ideenfindungsprozesse.

Harriet Backer (1845-1932) war in Norwegen bereits zu Lebzeiten eine gefeierte Malerin und gehört zu den Vorreiterinnen weiblichen Kunstschaffens in Europa. Sie debütierte im Pariser Salon von 1880, lebte in München und Paris und gründete nach ihrer Rückkehr in Oslo eine erfolgreiche Schule für Malerei. Der Prachtband verleiht ihr den ihr gebührenden Rang in der Geschichte der Kunst.Harriet Backers Werk rangiert im norwegischen wie auch im europäischen Vergleich auf hohem künstlerischen Niveau und zeichnet sich durch Originalität und eine facettenreiche Motivwelt aus. Ihre farbstarken Interieurs, feinfühligen Schilderungen ländlichen Lebens, ihre Porträts und Stillleben sind von Plein-Air-Malerei, von Realismus und Impressionismus durchdrungen. Backers künstlerische Leistung und ihre Bedeutung im europäischen Kontext sowie als Lehrerin von Nicolai Astrup und Harald Sohlberg treten nun dem internationalen Publikum vor Augen.