Böcker utgivna av Hirmer Verlag

Amnon David Ars Gemälde in leuchtenden, knallig-bunten Farben zeigen Alltagsszenen, Porträts und Stillleben. Sie alle eint, dass sie überraschende Details, Arrangements oder Blickwinkel enthalten, die zum genauen Hinsehen und Nachdenken animieren. Seine Werke lenken unseren Blick auf das Besondere im vorgeblich Unscheinbaren unserer modernen Welt. Die Monografie gibt einen Überblick über sämtliche Schaffensphasen des Künstlers. Der in Berlin arbeitende israelische Künstler (*1973) erzeugt durch ungewöhnliche Zusammenstellungen seiner humorvollen Sujets ein Spannungsfeld zwischen Fantasie und Realität. Starke Farben, das Spiel mit Licht und Schatten und klar umrissene Formen zeigen eine Bandbreite realistischer Malerei, in der Ar das Unperfekte nicht versteckt, sondern mit ihm spielt und es hervorhebt.

Man Ray war Zeit seines Lebens bessessen vom Schach. Er spielte nicht nur, sondern entwarf auch eigene Sets an Figuren und schuf Kunstwerke, die sich mit dem Spiel, seinen Figuren und der Ästhetik beschäftigen. Die Publikation entführt in einen abgeschlossenen Kosmos innerhalb des beeindruckenden Oeuvres von Man Ray. Man Rays Schachbilder sind so begehrt wie seine innovativen Fotografien. Der Maharadscha von Indore, Igor Strawinsky oder David Bowie sammelten sie. Heute befinden sie sich in den bedeutendsten Kunstsammlungen der Welt - dem Metropolitan Museum of Art, Museum of Modern Art, Centre Georges Pompidou und anderen - und werden auf der ganzen Welt geschätzt. Die reich bebilderte Publikation zeigt wann, wie und warum einer der einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts dem königlichen Spiel verfiel und mit seinen Schachfiguren und -designs zeitlose Werke geschaffen hat.

Sechs Jahre Acts of Art, eine Galerie, die 1969 von und für Schwarze Künstler*innen in Greenwich Village gegründet wurde. Die Publikation blickt zurück, skizziert das New York der damaligen Zeit, die lokale Kunstszene und stellt die an die Galerie angegliederten Künstler*innen vor.Die in den 60er und 70er Jahren in Greenwich Village gelegene Acts of Art Kunstgalerie spielte eine essentielle Rolle innerhalb der Gemeinschaften Schwarzer Künstler*innen in New York. Ein eng verbundenes Netzwerk an Künstler*innen rund um den Mitbegründer Nigel Jackson bildeten das Zentrum. Von Benny Andrews, James Denmark, Loïs Mailou Jones bis zu Hale Woodruff - die Publikation stellt sie alle mit exemplarischen Werken vor. Ein vollständige Dokumenation der Ausstellungen und Veranstaltungen sowie Biografien runden die Publikation ab.

Welchen Einfluss hatten und haben Frauen auf die zeitgenössische Kunstwelt? Der Band gibt Antworten und gewährt Einblick in die transformative Kunst von über 250 Künstlerinnen seit Gründung des renommierten Kunstpreises Anonymous Was A Woman im Jahr 1996. Anlässlich des 25. Jahrestages erinnert die umfassende Publikation mit ausgewählten Kunstwerken, biografische Informationen und unbekannten Geschichten an die Preisträgerinnen des Anonymous Was A Woman Preises. Der Publikation enthält Beiträge führender Schriftstellerinnen, Kunstwissenschaftlerinnen und Aktivistinnen sowie ein Gespräch mit der Anonymous Was A Woman Stifterin Susan Unterberg. Der AWAW-Preis zeugt seit seiner Gründung von den Leistungen jener Frauen, die die zeitgenössische Kunst grundlegend verändert haben, was mit dieser Publikation erstmals in Gänze anschaulich wird.

The catalogue A Meeting of Cultures: Fashions of North Africa is a pathbreaking work focused specifically on contemporary fashion designers and influencers in Morocco, Algeria, Tunisia, Libya and Egypt. This work broadens the scope of scholarship on the fashion industry, which to date has focused primarily on American and European designers.To illuminate the myriad ways North Africans dress, this catalogue showcases the works of contemporary fashion designers along with photography by fashion photographers, journalists, and social media influencers. The catalogue is organized around five themes which bring together the work of fashion practitioners from different countries and draw out the diverse approaches to retaining cultural distinctiveness while adapting to contemporary concerns ranging from sustainability to gender identity.

Woolfalks immersive Installationen sorgen weltweit für Aufmerksamkeit und begeisterten Galerie- und Mueseumsbesucher. Die Publikation lädt dazu ein, ihr raumgreifendes Multiversum zu betreten und in einen visuell und intellektuell fesselnden Dialog zu treten. Ein Überblick über zwei Jahrzehnte eines bahnbrechenden Werks: Skulpturen, Installationen, Videos, Gemälde und Live-Performances: Saya Woolfalks »Empathics« sind eine fiktive Ethnie von Frauen, deren Geschichte sich durch Woolfalks Kunst zieht und die Hoffnung auf eine künftige, von Mitgefühl geprägte Gesellschaft verkörpern. In ihrer Bildsprache, Symbolik und Folklore verbinden sich Aspekte afrikanischer, asiatischer, europäischer oder brasilianischer Kunst. Der Band gibt einen Überblick über das bahnbrechende Werk und zwei Jahrzehnte Geschichtenerzählen.

Lawrence Weiner gilt als einer der wegweisenden Vertreter der Konzeptkunst weltweit. Seine Plakate, die ein essenzieller Teil seines Schaffens darstellen und vom Künstler selbst gestaltet wurden, sind sowohl als Werbemittel für Ausstellungen als auch als eigenständige Werke erschienen.Die Publikation präsentiert das vollständig Lawrence Weiner Posterarchiv der Vancouver Art Gallery. Die umfassende Publikation reproduziert jedes Poster ganzseitig und offenbart in dieser Gesamtschau die Entwicklung von Weiners Œuvre über einen Zeitraum von mehr als 50 Jahren. Die begleitenden Essays von Grant Arnold, der sich seit Mitte der 1990er-Jahre mit dem Archiv beschäftigt, sowie wieteren Kunstschaffenden, Wissenschaftler*innen und Kurator*innen, die eng mit Weiner zusammengearbeitet haben, beleuchten zentrale Aspekte des Schaffens dieses bedeutenden US-Künstlers.

In einer Zeit politischer und gesellschaftlicher Umbrüche entstand in San Francisco eine außergewöhnliche Kunstszene: Initiiert von einem großartigen Museumsdirektor, einem aufgeklärten Mäzen und einer hervorragenden Kunstschule wurde ein Umfeld geschaffen, das eine Vielzahl krativer und innovativer Künstler*innen hervorbrachte. Mitte des 20. Jahrhunderts siedelte sich in der Bay Area eine erstaunliche Anzahl von Künstler*innen an, darunter Clyfford Still, Claire Falkenstein, Jay DeFeo, Richard Diebenkorn und Ruth Asawa. Sie arbeiteten weit entfernt von den bis dahin gängigen Hauptzentren der Kunstwelt in Europa und New York. Abseits und wenig beeinflusst von diesen entwickelten sie Stile jenseits des Abstrakten Expressionismus, die erst heute in vollem Umfang Anerkennung finden. Mit großformatigen Kunstreproduktionen und viel historischem Material zeigt der Band wie San Francisco zum neuen Anziehungspunkt für Kunstschaffende wurde.

Wie kann der Mensch - angesichts der zahlreichen politischen wie auch ökologischen Krisen - in Zukunft in Harmonie mit sich und der Welt leben? Die Anthologie versucht einen Leidfaden aufzustellen und wirbt für Fürsorge und Verbundenheit gegenüber anderen Lebewesen, Pflanzen und dem Planeten als solches. Mit Essays, visuelle Erzählungen und Interviews beschreibt und demonstriert der Sammelband Möglichkeiten, wie pflanzliches, tierisches und menschliches Leben gemeinsam und in EIntracht miteinander leben und gedeihen kann. Künstler, Philosophen, Wissenschaftler und Aktivisten, sowohl wieblichen, männlichen als auch nicht-binären Geschlechts, bringen in ihre Stimme und Ideen für mehr Achtsamkeit ein. How to Survive zeichnet eine Vision der Hoffnung und Liebe für uns und unseren Planeten.

Geboren in Sklaverei wurde der George Washington Carver zu einem der angesehendsten Agrar-Wissenschaftler seiner Zeit Die interdisziplinäre Publikation zeigt seine Errungenschaften und bedeutenden Beiträge in Wissenschaft, Kunst und Aktivismus auf und stellt sie zeitgenössischen Arbeiten von Künstler*innen und Denker*innen gegenüber. gestellt – und geben Anregungen in Zeiten der Krise. George W. Carver war ein Pionier der Pflanzentechnik und einer der ersten Befürworter der ökologischen Landwirtschaft in den USA. Als Künstler verwendete er in seinen Webarbeiten und Gemälden nachhaltige Materialien wie aus Erdnüssen und Ton gewonnene Farbstoffe. Der reich bebilderte Band untersucht, wie sich Kunstschaffende und Wissenschaftler*innen aktuell mit Carvers Ideen auseinandersetzen. Dabei wird auf teils bisher unveröffentlichtes Material aus Carvers außergewöhnlichem und insprierenden Leben und Werk zurückgegriffen.

Die umfassende, reich bebilderte Publikation entführt in das kreative Netzwerk, das das goldene Zeitalter des französischen Automobildesigns hervorbrachte und alle Kunstgattungen betraf. Entsprechend wirden neben Automobil-Klassikern auch Kunst, Mode, Architektur und Design betrachtet. Das Automobil ist zugleich Objekt und Subjekt in diesem opulenten Katalog, der Frankreich in einer Zeit außergewöhnlicher Kreativität, Innovation und Turbulenzen zeigt. Zum einen wird der Einfluss von Mode, Interior Design, Architektur, Luftfahrt und Avantgarde beleuchtet. Zum anderen wird an die kühnen Visionen von Künstler*innen wie Josephine Baker, Le Corbusier, Sonia und Robert Delaunay und Jacques-Henri Lartigue erinnert, die das Automobil als provokanten Ausdruck der Moderne verstanden.

David Hockneys und Jemas Sellars Haplomatics entführen in eine Welt voller elektronischer Klänge und abstrakter Figuren. Auf den ersten Blick wie Nonsens wirkend, zeigt die Publikation die Zusammenhänge und Hintergründe des bizarren aber bedeutsamen Werkes auf. Haplomatics ist eine Techno-Fantasie, die Originaltext und -musik des Komponisten James Sellars mit Grafiken des Künstlers David Hockney verbindet. Die einzigartige Kombination von Text, Musik und Bild, die in einem außergewöhnlichen Opus kulminierte, findet in diesem Band erstmalig eine würdige Betrachtung. Neben der Reproduktion der Hockney-Haplome und des vollständigen Textes bietet dieser Band eine Chronik der Zusammenarbeit und gibt Einblick in das einzigartige und vielschichtige Kunstwerk, das Text, Musik und Bilder in ein animiertes Video überführt.

Created over four decades from the 1720s to the 1760s by the highly erudite, visionary, and ambitious Earl of Leicester, Holkham is a masterpiece of Palladian architecture. Richly illustrated and with far-reaching essays, this volume invites us to a splendid tour through an incredibly well-preserved house, with all its splendidly furnished interiors and amazing collection of artworks still in place. Lord Leicester designed Holkham as the ideal home and setting for the ancient sculptures, distinguished paintings, and other treasures he had acquired on his Grand Tour. The unique Marble Hall and the Gallery revive and celebrate the values and virtues of ancient Rome, while the Saloon and state rooms vibrate with a baroque sense of grandeur and splendor. With the original family still in custodianship, Holkham is a unique survivor of the golden age of English country house culture.

Play Life Illusion - die Retrospektive in Buchform greift den Titel einer Performance auf, die Xanti Schawinsky 1936 mit Studierenden am Black Mountain College entwickelte. Der Schweizer war am Bauhaus in Weimar und Dessau tätig und emigrierte in den 1930er Jahren über Italien in die USA. Der Band versammelt autobiografische Texte und Briefe zum Lebenswerk des multimedialen Bauhäuslers, Künstlers und Gestalters.In seiner Zeit am Bauhaus lernte Xanti Schawinsky, dass es möglich ist, zugleich Künstler und Gestalter zu sein, wenn die Lust und Freude am Experiment nur groß genug ist. So entdeckt er sich als Bühnen- und Ausstellungsgestalter, Maler und Grafiker, Pädagoge und Fotograf immer wieder neu. Er findet Freunde, Verbündete und Mitstreiter, zu denen neben Bauhäuslern wie Walter Gropius oder Herbert Bayer auch Avantgardisten wie Marcel Duchamp gehören. Schriften, begleitende Erläuterungen und anschauliche Bebilderung lassen ein Leben und eine Ära wiedererstehen.

Um 1900 entdeckten Edvard Munch, Käthe Kollwitz und ihre Zeitgenossen die gotische Kunst als kraftvolle Inspirationsquelle für ihre eigene Arbeit. Ihre Begeisterung für Werke aus den deutschen Landen und Nordeuropa setzte Energien für kreative Experimente einer modernen Kunst jenseits aller Nationalgrenzen frei und beschwor so eine neue "gotische Moderne" herauf.Was macht gotische Kunst aus dem 12. bis 15. Jahrhundert modern? Mit dieser Frage befasst sich das reich illustrierte Buch am Beispiel des stark prägenden Einflusses mittelalterlicher Gotik auf die Kunstentwicklung um 1900. Das versunkene Zeitalter der Gotik erscheint den Kunstschaffenden in Figurensprache, Motivik und expressiver Ausdruckskraft als modern, als richtungsweisend für die eigene Kunst. Diese Sichtweise inspiriert von den 1870er- bis zu den 1920er-Jahren eine ganze Generation zum Schaffen neuartiger Bildwelten, in die aktuelle Fragestellungen von Künstlertum, geistigem Eigentum, moderner Gesellschaft, Sexualität, Spiritualität und Identität einfließen.Künstler:innen:Joseph Alanen, Hans Baldung Grien, Ernst Barlach, Max Beckmann, Karl Bennewitz von Löfen, Fritz Boehle, Dirk Bouts, Arnold Böcklin, Gustav Carus, Lovis Corinth, Lucas Cranach the Elder, Otto Dix, Albrecht Dürer, James Ensor, Lyonel Feininger, Akseli Gallen-Kallela, Matthias Grünewald, Ernst Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Theodor Kittelsen, Max Klinger, Käthe Kollwitz, Lowis Korinth, Georges Lacombe, Eugène Laermans, Théophile Lybaert, Karel Masek, Constantin Meunier, Georges Minne, Paula Modersohn-Becker, Edvard Munch, Ejnar Nielsen, Emil Nolde, Karl Nordström, Prins Eugen, Arthur Roessler, Tyko Sallinen, O. R. Schatz, Helene Schjerfbeck, Sascha Schneider, Hugo Simberg, Max Slevogt, Agnes Slott-Möller, Harald Slott-Møller, Gustav Adolph Spangenberg, Carl Spitzweg, Marianne Stokes, Henrik Sørensen, Hans Thoma, Gustave van de Woestyne, Vincent van Gogh, Emanuel Vigeland, Gustav Vigeland

Mit fantastischen, radikal subjektiven Motiven revolutionierte der Surrealismus die Kunst. Als politische und internationale Bewegung wollten die Künstlerinnen und Künstler Gesellschaften verändern. Die Aktualität ihrer Ideen zeigt die spannende Gegenüberstellung bedeutender Surrealistinnen und Surrealisten der ersten Stunde mit nachfolgenden Künstlergenerationen.Das für den Surrealismus charakteristische Hinterfragen des eigenen Bewusstseins rückt in einer zunehmend technologisierten Welt wiederholt in den Fokus. Welche Auswirkungen haben Technologien auf unsere Gesellschaft? Was macht uns als Menschen aus? Themen wie Identitätssuche, Irrationalität oder das Spiel mit der Wahrnehmung finden sich bei René Magritte oder Claude Cahun ebenso wie bei David Lynch oder Cindy Sherman. Rund 120 hochkarätige Gemälde, Fotografien, Filmsequenzen, Collagen und Skulpturen ermöglichen einen spannenden Gang durch hundert Jahre surreale Welten.KÜNSTLER*INNENHANS BELLMER, LUIS BUÑUEL, MARCO BRAMBILLA, CLAUDE CAHUN, GEORGE CONDO, SALVADOR DALÍ, MARCEL DUCHAMP, MAX ERNST, ALFRED HITCHCOCK, SARAH LUCAS, DAVID LYNCH, RENÉ MAGRITTE, JOAN MIRÓ, MERET OPPENHEIM, TONY OURSLER, MAN RAY, CINDY SHERMAN, PENNY SLINGER, DOROTHEA TANNING, ERWIN WURM

Der Maler, Zeichner und Grafiker Paul Rotterdam (geb. 1939) ist der Österreicher unter den Künstlern in der New York School, die das Potenzial im Projekt der reinen Abstraktion auf verschiedene Weise radikal ausschöpften. Ende der 1960er Jahre ging er in die USA, um sich theoretisch mit den Entwicklungen vertraut zu machen und sie in eigenen Werken praktisch zu realisieren.Mit aller Konsequenz geht Rotterdam bei seiner Suche nach Ausdruck des Universalen zu Werk. Ausgangspunkt sind ihm die Theorien der Klassischen Moderne, das Postulat der freien Form à la Kandinsky auf der einen Seite des Spannungsbogens, das der Formstrenge eines Piet Mondrian auf der anderen. Seine Bilder erzeugen eine Gegenständlichkeit von eigener Realität. Längst hat sich Rotterdam in die Natur zurückgezogen, um sich im Dialog mit ihr durch seine Kunst zu verständigen. Das Buch präsentiert einen Künstler, dessen karge Bilder Erlebnisse des Wesentlichen sind.

Monet (1840–1925) kehrte der Tradition den Rücken, als er 1867 vom Balkon des Louvre aus das pulsierende Leben von Paris in den Blick nahm. Ihn faszinierte die Gegenwart der wachsenden französischen Hauptstadt mehr als die Alten Meister. In einer Serie von drei Gemälden schuf er ein neues Bildthema. Die Hauptwerke aus Berlin, Den Haag und Oberlin treffen in Ausstellung wie reich bebildertem Buch aufeinander.Monets Ansichten von Saint Germain l’Auxerrois, dem Jardin de l’Infante und dem Quai du Louvre gelten als früheste impressionistische Stadtansichten überhaupt. Er wirft damit einen völlig neuen künstlerischen Blick auf die moderne Großstadt im Umbau unter Haussmann, die Künstler wie Caillebotte und Pissarro zu eigenen Stadtansichten inspirierte. Ein neues Sujet war geboren, das der Band am Beispiel von Monets Hauptwerken sowie Bildern namhafter Künstler des Impressionismus und Postimpressionismus in aller Schönheit vor Augen führt.KÜNSTLER CLAUDE MONET SOWIE GUSTAVE CAILLEBOTTE, JOHAN BARTHOLD JONGKIND, MAXIMILIEN LUCE, HENRI MATISSE, CAMILLE PISSARRO

In einer Zeit wie der unseren, in der eine junge Generation unsere Lebens- und Denkweisen und die Organisationsformen unserer Gesellschaft hinterfragt, ist die Künstlergruppe Die Brücke topaktuell. Vier junge Künstler im Deutschen Kaiserreich wollen Kunst und Leben neu denken und inspirieren in leuchtend-emotionaler Bildsprache Künstlergenerationen bis heute.Wie lassen sich Emotionen wiedergeben? Wie haben die Brücke-Künstler zusammengearbeitet, sich vermarktet, ihre Plakate und Bücher gestaltet, ihre Wander-Ausstellungen organisiert? Der Band befasst sich ganz praktisch mit den Strategien der Gruppe wie ihrer Inspiration bei afrikanischem und ozeanischem kolonialem Kulturgut und blutjungen Mädchen als Modellen. 200 Gemälde, Skulpturen, Arbeiten auf Papier aus dem Brücke-Museums Berlin begegnen uns in strahlenden Farben und reduzierter Form sowie in aktuell diskutierten Themen.Künstler:Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Max Pechstein, Karl Schmidt-Rottluff

Mündliche Überlieferungen und Erinnerung sind zentrale Pfeiler der afrikanischen Kultur. Die Publikation geht der Frage nach, wie diese Narrative in der Kunst der Subsahara-Region sichtbar werden. Erstmalig wird dabei die Überschneidung von Kunstwerken und Erzählungen quer durch verschiedene Genres, Kulturen, Epochen und Formen betrachtet.Wie trägt die afrikanische Kunst Erzählungen und Motive, die tief im kollektiven und individuellen Gedächtnis und Wissen verwurzelt sind, fort? Um dies aufzuzeigen setzt der Band Werke, die vom 13. bis 20. Jahrhundert in Afrika entstanden, in Dialog mit zeitgenössischen Arbeiten afrikanischer Künstler*innen aus aller Welt. Mehr als 200 Kunstwerke entfalten dabei ein breites mediales Spektrum von Skulpturen aus Holz, Elfenbein und Metall über Textilien, Arbeiten auf Papier, Fotografien und Gemälde bis zu zeitbasierten Medien. Ersichtlich werden so Überschneidungen zwischen historischen Kunstpraktiken und mündlichen Überlieferungen.

Mit ihrer Kamera fängt Sherrie Nickol Szenen und intime Momente ein und lässt uns teilhaben an den Gefühlen ihrer Protagonist*innen. Menschen am Strand, Jugendliche im Elternhaus, Touristen in der Fremde – die Fotografien erzählen persönliche Geschichten und dokumentieren das Alltägliche in einer faszinierenden Bildsprache.Sherrie Nickol fokussiert auf den Menschen, sei es in ihren großformatigen Portraits, den Einblicken in Familienleben oder Eindrücken von ihren Reisen. Ihr Blick auf die Welt ist authentisch und positiv. Ihre entgegengebrachte Aufrichtigkeit und Achtung ermöglichen eine emotionale Bindung zu den fotografierten Personen. Insbesondere junge Frauen und Jugendliche an der Schwelle zum Erwachsenwerden stehen dabei in Zentrum: Ihre Lebenswelten, Sehnsüchte und Bedenken gibt der Band mit ganzseitigen Reproduktionen der intensiven Farb- und Schwarz-Weiß-Aufnahmen wieder.