Böcker utgivna av Scheidegger und Spiess AG, Verlag

Peter Zumthor in dialogue with Mari Lending explores how history, time and temporalities reverberates across his oeuvre, a feeling of history has informed his continuous attempts of emotional reconstruction by means of building.

Peter Zumthor ranks among the most important contemporary architects, this is the authoritative monograph on his entire work.

The most comprehensive monograph to date on major American artist Carole A. Feuerman, a pioneer of hyper-realism in sculpture

The concluding volume of the definitive comprehensive monograph on Charlotte Perriand in English, lavishly illustrated with a wealth of previously unpublished material

An account of Marina Abramovic's dialogue with psychoanalyst Jeannette Fischer, offering an understanding of the underlying structures and dynamics of Abramovic's extraordinary performances.

Features a previously unpublished collection of drawings and watercolours by Alberto Giacometti.

This is the first comprehensive monograph on Charlotte Perriand: a key figure in 20th-century design history - an invaluable source for scholars, dealers and collectors.

Die Französin Marie-Claude Deffarge (1924-1984) und der Luxemburger Gordian Troeller (1917-2003) arbeiteten ab den 1950er-Jahren zusammen als freie Journalisten und berichteten zunächst vor allem aus Iran, Jemen und anderen Ländern der Region, später aus nahezu der ganzen Welt. In den 1960er-Jahren verantworteten sie wichtige Auslandsreportagen für das deutsche Nachrichtenmagazin Stern. Parallel dazu entstanden erste gemeinsame Filmreportagen, ab den 1970er-Jahren rückten Dokumentarfilmreihen ins Zentrum ihres Schaffens. Geschätzt wurden Deffarge & Troeller für ihre hervorragend recherchierten Beiträge. Selten berichteten sie wertfrei, liessen sich jedoch durch Kritik an ihren Analysen zu vorherrschenden Machtstrukturen nicht beirren. Im Fokus dieses ersten umfassenden Buches über Deffarge & Troeller stehen die für den Stern entstandenen Reportagen und das gemeinsame Filmschaffen, reichhaltig illustriert mit Fotos, kompletten Reportagen und Filmvorschauen, Buchmaquetten, Kontaktabzügen, Film-Stills und Skripten sowie weiteren Dokumenten. Die Texte ordnen die Arbeitsschwerpunkte, das Vorgehen und die Rezeption des Duos ein. Dabei ist die aktuelle Relevanz ihrer Berichterstattung frappierend. Ob politische Konflikte in Iran, Eritrea, Jemen oder Kapitalismuskritik und Feminismus: Der zweisprachig deutsch-englische Band spürt den Ursachen jener Krisen auf, die nach wie vor das Weltgeschehen beeinflussen.

School Models ist ein für den öffentlichen Raum konzipiertes Werk des Künstlers Florian Graf. Für den Pausenhof des Schulhauses Hofacker in Zürich hat Graf Modelle der drei zur Anlage gehörenden, aus unterschiedlichen Epochen stammenden Gebäude geschaffen. Die weissen Kalksteinskulpturen sind auf überdimensionalen Bauklötzen aus mehrfarbigem Terazzo installiert. Schülerinnen und Schüler - ebenso wie ihre Lehrpersonen - sind eingeladen, sich ihre Schulhäuser auf ganz neue Weise anzueignen, etwa als Sitzgelegenheit oder Treffpunkt. Das Zusammenspiel der Schulhaus-Miniaturen auf den bunten Spielbauklötzen und der sie umgebenden Bauten regt an zu einer Neubewertung und Interpretation der Machtdynamik, die heutige Bildungssysteme prägen. Die Texte dieses Buches beleuchten Schlüsselbegriffe wie Bildung, Modell, Resonanz, Skulptur, und Zusammenarbeit. Durchweg farbige Abbildungen dokumentieren Florian Grafs einzigartiges öffentliches Kunstprojekt. Zusammen laden sie ein zu einer Reflexion über die Entwicklung der Bildung und ihrer Institutionen im Laufe der Zeit.

Ricola is a Swiss global brand, famous for its herbal candies, based in the town of Laufen, near Basel. Since 1975, the shareholders of the still family-owned business have been building the Ricola Collection systematically with a focus on Swiss art. Open to the public and on display in buildings that celebrated Swiss architects Herzog & de Meuron have designed for the company since 1983, the collection spans more than half a century and represents the latest trends in contemporary art. This lavishly illustrated book offers a lively insight into the collection, its history and presence in Ricola's corporate life, and places it within the Swiss art scene. Concise comments on a large selection of individual works round off this volume.

Collective Threads präsentiert das herausragende künstlerische Werk von Anna Andreeva (1917-2008), einer russischen Textildesignerin und führenden Künstlerin der berühmten Red Rose Silk Factory in Moskau, die sie von 1946 bis 1984 leitete. Die nach der polnisch-deutschen Revolutionärin Rosa Luxemburg benannte Fabrik war ein herausragender Ort kollektiver weiblicher Designarbeit, die Mode- und Materialkultur des späten Sozialismus prägte. Andreevas beeindruckende Entwürfe reichen von abstrakt und geometrisch - in Anlehnung an die frühe sowjetische Avantgarde - über Motive mit Bezug zur Raumfahrt bis hin zu von der Kybernetik inspirierten, prachtvoll stilisierten floralen Designs und eleganten narrativen Darstellungen Moskaus, der Elektrifizierung, des Films, russischer Volkskunst und zentralasiatischer Sujets. Ihre für die Massenproduktion entworfenen Stoffe gehörten in den 1960er- und 1970er-Jahren zu den beliebtesten Textildrucken der Sowjetunion. Dieses Buch zeigt Anna Andreevas aussergewöhnliche Kunst illustriert mit Abbildungen ihrer Zeichnungen und Skizzen, historischen Stoffmustern sowie Dokumenten aus dem Red-Rose-Kollektiv, sowjetischen Modemagazinen und Bildern internationaler Ausstellungsgestaltungen. Die Essays von Expertinnen, Kuratoren und Kritikerinnen erkunden Andreevas Werk und Laufbahn und ordnen beides in historische und künstlerische Kontexte ein.

Zurich's Kronenhalle restaurant is a living legend and 2024 marks the centenary of the likewise legendary Hulda Zumsteg (1890-1984) taking over as its landlady. For decades, the restaurant and adjacent bar have brought together the city's bohemians and the bourgeoisie. Celebrities from the worlds of art, design, literature, and stage were among the regulars. Works by artists such as Pierre Bonnard, Henri Matisse, Joan Miró, and Pablo Picasso are naturally part of its interior. The revised new edition of this book, first published in 2019, explores the art at the Kronenhalle from various perspectives. Photographs offer atmospheric impressions of the brasserie, dining rooms, and bar, in daylight and at night. Literary texts turn paintings into protagonists. A complete catalogue and the story of its emergence and evolution place the collection in wider context and portray one of Zurich's most traditional restaurants against the backdrop of an extraordinary family and business history. The restaurant's enduring success is founded in the unique way in which Hulda Zumsteg ran the place, and in the friendships that her son Gustav Zumsteg (1915-2005) brought to Zurich. His deep appreciation of art fueled the textile creations of Abraham AG, the silk trading firm he owned, and led to him assembling the fine collection that today turns every lunch, dinner, or drink at the Kronenhalle into an encounter with classical modernism in art.

Pauline Julier, born in 1981, graduated in political sciences from the Université Grenoble Alpes and in photography from the Ecole Nationale Supérieure de la Photographie d'Arles; she also completed the SPEAP Art and Politics Experimental Program at Sciences Po in Paris. Her multimedia works featured in this book take us through the geological ages of planet Earth and into space. At the interface of documentary and fiction, Julier takes us on a dizzying journey through space and time. She interweaves different histories and combines natural disasters with the Anthropocene's paradigm shifts. Looking into the past and the future, Julier investigates highly topical questions about the unlimited use of natural resources, escapism, and the colonization of space. Conceived and designed as a work of art in its own right, this volume offers a comprehensive insight into Pauline Julier's art and thought through a conversation with eminent scholar of science and technology studies Donna Haraway, and contributions by curator Céline Eidenbenz; anthropologist and writer Nastassja Martin; and art historian, curator, and author Chus Martínez.

Etienne Delessert, born in Lausanne in 1941 and based in Lakeville, Connecticut, made his name as a graphic designer and illustrator in Paris and New York with advertising campaigns and posters, and later gained wide renown for his illustrations, animated films, and paintings. He has illustrated more than 80 books, all of which have become worldwide successes. Eleonore Peduzzi Riva, born in Basel in 1936, worked as a designer and design consultant for major brands such as Cassina, Artemide, and De Sede. The DS-600 modular sofa of 1972, created in collaboration with Ueli Berger, Heinz Ulrich, and Klaus Vogt, is an expression of her goal to enable people to design their personal habitat. Chantal Prod'Hom, also born in Lausanne in 1957, founded the Asher Edelman Foundation in the 1990s, where she staged visionary exhibitions featuring little-known artists, and traveled the world in search of design talent for Benetton's famous Fabrica. Between 2000 and 2022, she directed her native city's Musée cantonal de design et d'arts appliqués contemporains (mudac). Through her tireless commitment, she shapes and fosters public perception of design. Switzerland's Federal Office of Culture has awarded the 2023 Swiss Grand Award for Design to Etienne Delessert, Eleonore Peduzzi Riva, and Chantal Prod'Hom. This book introduces each of them through a concise text and an interview, as well as a brief biography, illustrated with images from their archives.

Dieser vielstimmige, englischsprachige Sammelband befasst sich mit dem Kulturerbe des vorkolonialen Königtums Benin auf dem Gebiet des heutigen Nigeria. Auch in Schweizer Museen befinden sich Objekte aus Benin. Neben neuen Erkenntnissen zur historischen und aktuellen Bedeutung der Artefakte zeigt das reich bebilderte Buch auch den heutigen Dialog mit Partnerinnen und Partnern aus Nigeria und der Diaspora auf. Sowohl die Methoden der kooperativen Forschung als auch die Zukunft der hier verwahrten Gegenstände werden reflektiert. Objektbiografien und Beispiele aus der Vermittlungs- und Ausstellungspraxis geben Einblick in die verflochtenen Geschichten, in den internationalen Kunsthandel und in postkoloniale Erinnerungsarbeit zwischen Afrika und Europa. Das Buch erscheint als Teil der Benin Initiative Schweiz (2021-2024), einem Projekt von acht Schweizer Museen, das sich mit der Erforschung der Provenienzen von Objekten aus kolonialen Kontexten befasst. Texte und Bilder bieten Gelegenheit, über Werke und Werte, Beziehungen und Geschichtsbilder nachzudenken. Die Zusammenarbeit mit Vertreterinnen und Vertretern aus Nigeria und der Diaspora ermöglicht neue Formen der Wissensproduktion. Dabei gerät nicht nur das Kulturerbe in Bewegung, sondern auch das Museum.

Im Rahmen der vierten Fotografischen Ermittlung Neuenburg 2023-2024 tauchte Laurence Rasti ins Gefängnis La Promenade in La Chaux-de-Fonds ein. Dort traf sie auf Lebenswege, die grösstenteils von Prekariat und Exil geprägt sind. Die Fotografin tauscht sich mit Häftlingen, Forscherinnen und Theoretikern aus und hinterfragt eine Haft, die eher auf Armut als auf Verbrechen ausgerichtet zu sein scheint. Rastis Recherche basiert auf einem künstlerischen und kollaborativen Ansatz, bei dem die Insassen selbst mit Lochkameras Bilder aufnehmen und Interviews transkribieren. Es stehen die Betroffenen selbst im Mittelpunkt dieser fotografischen Arbeit, die über Zusammenhänge zwischen Gefängnis, Prekariat und Migration reflektiert. Über Themen also, die im Fall eines Gefängnisses wie dem La Promenade in La Chaux-de- Fonds eng miteinander verbunden und von grosser gesellschaftlicher Bedeutung sind.

Françoise Pétrovitch, geboren 1964, zählt zu den bekanntesten Namen der zeitgenössischen Kunst in Frankreich. In ihrem Schaffen enthüllt sie mehrdeutige, gerne grenzüberschreitende Welten, die mit konventionellen Grenzen spielen und sich jeglicher Interpretation entziehen. Das Intime, das Fragment, das Verschwinden und Themen wie Doppelgänger, Übergang und Grausamkeit durchziehen ihre Werke, die von Tieren, Blumen und Wesen bevölkert sind und deren Atmosphäre, abwechselnd hell oder nächtlich, uns kaum unberührt lässt. Eingefasst vom Thema Abwesenheit präsentiert dieses Buch Zeichnungen, Druckgrafiken und Videoarbeiten von Françoise Pétrovitch. Abwesenheit kann quälend, eine Tragödie sein. Als Gegenstück zur Präsenz ist sie von Sehnsucht und Projektion geprägt. Sie beschreibt das Vergehen der Zeit, die Distanz und den Mangel. Auch die Malerei selbst ist von Abwesenheit geprägt: Die Künstlerin, das Modell, die Landschaft oder der vergangene Moment sind nicht wirklich präsent. Reich illustriert und mit Essays zu Pétrovitchs Kunst und den verschiedenen Techniken, die sie verwendet, bietet der Band einen tiefen Blick in die von ihr erschaffenen Welten.

Das Darstellen des Sehens ist ein zentrales Thema in der Kunst von Markus Raetz (1941-2020). Mit der Silhouette eines Fernglassichtfelds hat er dafür bei Zeemansblik eine so schlichte wie überzeugende Form gefunden. Von diesem Zinkblech-Relief entstanden zwischen 1985 und 1999 rund zwanzig Fassungen in unterschiedlichsten Dimensionen. Das titelgebende niederländische Wort Zeemansblik (wörtlich: Blick des Seemannes) kann mit Seeblick übersetzt werden. Blik bedeutet jedoch zugleich auch Blech. Die Doppeldeutigkeit des Titels weist sachlich auf das Material hin und fordert zugleich dazu auf, die vom horizontalen Falz im Blech bewirkte Linie als Meereshorizont zu deuten. Die Veränderung des Betrachtungsstandpunktes führt zu wechselnden Lichtreflexen auf dem gewölbten, blanken Blech, die als unterschiedliche atmosphärische Stimmungen wahrgenommen werden. Für die Betrachtenden wird so aus einem schlichten, abstrakten Objekt an der Wand ein Marinebild ohne Malerei mit dem Sehnsuchtsmotiv des Blicks in die blaue Ferne. Franz Müller beschreibt in diesem Buch - dem 7. Band der Reihe Schlüsselwerke der Schweizer Kunst - die Komplexität hinter der scheinbaren Einfachheit von Markus Raetz' Zeemansblik und zeigt auf, was das Relief zu einem Schlüsselwerk der Schweizer Kunst macht.

Ein faszinierendes Kapitel der Textilkunst: Im Depot des Dresdener Kunstgewerbemuseums in Schloss Pillnitz liegt seit 125 Jahren ein erst in jüngster Zeit bekannt gewordener Schatz japanischer Handwerkskunst. In 92 Kassetten lagern mehr als 15'000 Färbeschablonen für den Textildruck. Diese sogenannten Katagami wurden in einem langwierigen Verfahren aus der Maulbeerbaumrinde handgeschöpft und in feinster Schneidearbeit gestochen. Es sind traditionelle Druckvorlagen vor allem für Stoffe, aus denen Kimonos für Samurai gefertigt wurden, und sie zeigen neben geometrischen Ornamenten auch Muster und Motive, die in virtuoser Abstraktion Elemente der Natur darstellen. Im 19. Jahrhundert kamen Katagami-Drucke auch nach Europa, und diese hochentwickelte Kunst beeinflusste schon sehr bald stark die westliche Ornamentik in Kunst, Kunsthandwerk und im entstehenden Industriedesign. Heute spielt die Technik der Stencils für Graffiti und Street-Art, etwa bei Banksy, weiterhin eine grosse Rolle. Dieses opulente englischsprachige Buch präsentiert nun erstmals rund 140 der schönsten Katagami-Muster aus der Dresdener Sammlung. Ausgewählt wurden Motive, die sich der Darstellung des Regens widmen, der in dem Monsunwinden ausgesetzten und auf Reisanbau angewiesenen Land grosse spirituelle und kulturelle Bedeutung hatte. Zahlreiche grossformatige Abbildungen werden begleitet von Essays internationaler Experten, die alle Aspekte des faszinierenden Themas detailliert erläutern.

Kontext und Zeitpunkt bestimmen die Arbeit der Schweizer Künstlerin Dunja Herzog in hohem Masse. Seit ihrer Kindheit dem afrikanischen Kontinent verbunden, lebte sie während der letzten zwanzig Jahren immer wieder in Kamerun, Nigeria und Südafrika. So befasst sich auch ihre Kunst mit unterschiedlich geprägten kulturellen Konzepten. Autorschaft stetig hinterfragend, untersucht sie künstlerische Haltungen aus unterschiedlicher Perspektive. Ebenso wichtig für ihre Arbeit sind eine Faszination für Materialien und Handwerk sowie ihr tiefes Interesse für gesellschaftliche Bedingungen und Finanzflüsse zwischen Nord und Süd. Diese Monografie bietet einen Überblick über das Schaffen Dunja Herzogs seit 2004. Sie beleuchtet die wesentliche Rolle, die den Materialien ihrer plastischen Arbeiten als Träger von Geschichte zukommt, und wie essenziell die Kollaborationen für die Künstlerin sind. Deutlich wird aus den Textbeiträgen und Abbildungen aber auch, wie sich Herzogs Werke über die Jahre hinweg und in unterschiedlichen Kontexten verändern, welch neue Entwicklungsmöglichkeiten sie aufzeigen.

Renée Levi, geboren 1960, ist für ihre fulminante, schnelle, ehrliche und direkte Malerei bekannt. Ausgebildet als Architektin und bildende Künstlerin, realisiert sie oft monumentale, installationsartige Werke, die stets dem räumlichen Kontext angepasst sind und mit dem Gebäude, in dem sie sich befinden, in einen Dialog treten. In diesem Interview spricht Renée Levi über den Ursprung ihrer künstlerischen Absicht, den Platz, den sie sich in der Kulturszene erobert hat, und die Bildsprache, die sie nach und nach entwickelt, wie eine Suche nach Freiheit. On Words ist eine Sammlung von Interviews mit führenden Künstlerinnen der zeitgenössischen Kunstszene. Im Gespräch mit Julie Enckell Julliard, Federica Martini und Sarah Burkhalter geben sie Auskunft zu den Quellen, aus denen sie schöpfen, zu ihren Themen und ihrer Sicht auf die Welt. Die Summe der Standpunkte, die in den Bänden der Reihe zusammengeführt werden, fügt der polyfonen Kunstgeschichte ein weiteres Narrativ hinzu - erzählt von denen, die sie aktiv mitgestalten.

Die Schweiz ist seit dem 16. Jahrhundert global vernetzt und kolonial verflochten. Dieses Buch bietet einen Überblick zu diesem aktuellen Thema und ordnet eine Vielzahl von Aspekten dazu historisch ein. Die Texte ausgewiesener Expertinnen und Experten verschiedener Fachrichtungen behandeln Themen wie die Beteiligung von Schweizer Unternehmen am Handel mit versklavten Menschen, Schweizer Söldner im Dienst der Kolonialmächte, das koloniale Erbe der Schweizer Missionsgesellschaften oder die Forschungs- und Sammlungstätigkeit von Wissenschaftlern in ehemaligen Kolonien. Beleuchtet wird auch die Rolle der Anthropologischen Institute der Universitäten Zürich und Genf in der «Rassenforschung». Zur Sprache kommen schliesslich Fragen zu kolonialen Kontinuitäten. Dieses französischsprachige Buch ist Einladung und Anregung dazu, die Verflechtungsgeschichte der Schweiz zu erkunden und sich kritisch damit auseinanderzusetzen.

Die Schweiz ist seit dem 16. Jahrhundert global vernetzt und kolonial verflochten. Dieses Buch bietet einen Überblick zu diesem aktuellen Thema und ordnet eine Vielzahl von Aspekten dazu historisch ein. Die Texte ausgewiesener Expertinnen und Experten verschiedener Fachrichtungen behandeln Themen wie die Beteiligung von Schweizer Unternehmen am Handel mit versklavten Menschen, Schweizer Söldner im Dienst der Kolonialmächte, das koloniale Erbe der Schweizer Missionsgesellschaften oder die Forschungs- und Sammlungstätigkeit von Wissenschaftlern in ehemaligen Kolonien. Beleuchtet wird auch die Rolle der Anthropologischen Institute der Universitäten Zürich und Genf in der «Rassenforschung». Zur Sprache kommen schliesslich Fragen zu kolonialen Kontinuitäten. Dieses englischsprachige Buch ist Einladung und Anregung dazu, die Verflechtungsgeschichte der Schweiz zu erkunden und sich kritisch damit auseinanderzusetzen.

Ob Elton John in Los Angeles, König Charles III (damals noch als Prince of Wales) in Balmoral, Präsident Mitterrand im Élysée-Palast oder die Taubenzüchter Mr. und Mrs. Sharples in Lancashire - der englische Künstler Bryan Organ hat sie alle porträtiert. Sein Bildnis von Prinzessin Diana von 1981 zog in den ersten 72 Stunden seiner Ausstellung mehr als 100 000 Besucherinnen und Besucher an. Seinen ersten Auftrag erhielt er 1967, und seither haben Könige, Politikerinnen, Musiker, Designerinnen und Industriekapitäne zahlreicher Länder ihn gebeten, sie zu malen. Umso erstaunlicher, dass bisher kein Buch über das Schaffen des 1935 geborenen Malers vorliegt. Diese Lücke wird mit dieser Monografie geschlossen, die rund 80 seiner Porträts grossformatig abbildet. Dazu sind zeichnerische Vorstufen und zahlreiche weitere Werke wie Tierbilder, Stillleben oder Entwürfe zu Plattencovern zu sehen. Texte prominenter britischer Autorinnen und Autoren setzen sich mit Bryan Organs Schaffen auseinander und runden diesen ebenso vergnüglichen wie erhellenden Band ab.

Ibram Lassaw (1913-2003) gilt als bahnbrechender Vertreter des Abstrakten Expressionismus in Amerika und ist berühmt für filigrane Metallskulpturen, die den Tiefen des Ozeans oder fernen Galaxien entsprungen sein könnten. Weniger bekannt sind seine Schmuckobjekte, die er selbst als «Bosom Sculptures» bezeichnete. Inspiriert durch umfangreiche Lektüre zu so unterschiedlichen Themen wie Zen-Buddhismus, Kosmologie und Quantenphysik schuf er zwischen 1951 und den späten 1990er-Jahren eine Reihe solch tragbarer Skulpturen. Geschweisst und geschmiedet - zum Teil unter Verwendung ungewöhnlicher Materialkombinationen, neuartiger Techniken, Farben und Formen - erinnern sie mit kunstvollen biomorphen Ranken und miteinander verbundenen Clustern an so verschiedene Dinge wie Seeanemonen oder galaktische Nebel. Dieses englischsprachige Buch zeigt 37 «Bosom Sculptures» sowie neun Skulpturen, die Lassaw zwischen 1938 und 1996 schuf, in Originalgrösse. Essays von Nancy G. Heller, emeritierte Professorin der University of the Arts in Philadelphia, Denise Lassaw, Tochter, Mitarbeiterin und Archivarin des Künstlers, und Marin R. Sullivan, Kunsthistorikerin, Kuratorin und Autorin, beleuchten Aspekte seines Lebens und Werks, seiner Zeit sowie die dynamischen Kräfte, die den Künstler inspirierten.

Das Werk der britisch-schweizerischen Künstlerin Rachel Lumsden besteht hauptsächlich aus grossformatigen figurativen Gemälden, die sich durch atmosphärisch dichte Bildräume auszeichnen. Lumsdens Bildsprache konzentriert sich auf der Leinwand durch einen virtuosen Umgang mit der Farbe und evoziert visuelle Erzählungen, die den Betrachtenden unerwartet nahekommen und doch nicht völlig fassbar sind. In ihrem englischsprachigen Buch Igniting Penguins: A Manifesto for Paiting lädt Lumsden den Leser auf einen unterhaltsamen Ausflug in die schillernde Welt der Kunst und zum Kern der Tätigkeit des Malens ein. Unterwegs dorthin lernen wir einige der mächtigen und eigenwilligen Türhüter der Kunst kennen, wundern uns über ihre eingefahrenen Geschlechterrollen und entdecken, was figurative Malerei zu einer Form der Quantenphysik mit Sexappeal macht. Lumsdens Essay ist Manifest und Bestandsaufnahme des Kunstbetriebs zugleich. Vor allem ist er aber ein flammendes Bekenntnis zur Malerei.

Verlassenes Boot treibt Richtung Mond lässt Arbeiten auf Papier (Inkjet-Prints) des Künstlers Uwe Wittwer und Gedichte des Schriftstellers und Künstlers Jürg Halter in einen vielschichtigen Dialog treten. Inspiriert vom legendären Spielfilm Ugetsu Monogatari (Erzählungen unter dem Regenmond, 1953) des japanischen Regisseurs Kenji Mizoguchi, wollen die beiden im Kopf der Betrachterinnen und Leser einen neuen, imaginären Film auslösen. Dabei handelt es sich nicht um eine geschlossene Erzählung, sondern um ein subtiles Spiel mit Andeutungen, Fragmenten, Kommentaren und Weitererzählungen. Manche von Wittwers Bildern geben sich anschaulich, andere verweigern sich der direkten Verständlichkeit. Ebenso verhält es sich mit Halters kurzen Gedichten: Einige sind eindeutig und schlicht, manche sind mehrdeutig und entziehen sich dem unmittelbaren Zugang. Das Buch geht in poetisch-malerischer Weise Fragen nach wie «Was ist das Eigene im Fremden?», «Wann schlägt Menschlichkeit in Unmenschlichkeit um?» oder «Ist in der Kunst Trost zu finden?».