Böcker utgivna av Taschen GmbH

Die griechischen Mythen sind zeitlose Klassiker, deren Figuren und Geschichten uns seit jeher in ihren Bann ziehen. Ihre Götter und Helden verkörpern universelle menschliche Eigenschaften und Gefühle, wie Liebe, Hass, Glück, Eifersucht, Rache, Hybris, Gier oder Tapferkeit. Diese Emotionen sind die Grundlagen für die tiefgründigen, spannenden Dramen und Erzählungen, die heute noch großen Einfluss auf unsere Kultur und Literatur haben und alle, ob jung oder alt, faszinieren. Dieser Band enthält 21 der bekanntesten Sagen, die vom Trojanischen Krieg, den anschließenden Irrfahrten des Odysseus und seiner lang ersehnten Rückkehr nach Ithaka erzählen. Die Texte wurden sorgsam aus dem berühmten Klassiker Sagen des klassischen Altertums von Gustav Schwab (1792-1850) ausgewählt und mit Werken von 15 Künstlern bebildert, darunter herausragende Vertreter des Goldenen Zeitalters der Buchillustration und der Arts-and-Crafts-Bewegung, wie Walter Crane (1845-1915), William Russell Flint (1880-1969), Newell Convers Wyeth (1882-1945) und Virginia Frances Sterrett (1900-1931). Ergänzt werden diese Bilder durch Illustrationen von Clifford Harper, die eigens für dieses Buch angefertigt wurden: szenische Vignetten, die jeder Geschichte vorangestellt sind, und ein Stammbaum der griechischen Götter. Eine Einleitung von Dr. Michael Siebler ordnet sowohl die antiken Mythen als auch Gustav Schwabs Nacherzählungen in ihren historischen Kontext ein. Ein umfangreiches Glossar zu den wichtigsten Protagonisten der griechischen Mythen rundet das Buch ab. Die Vielschichtigkeit der griechischen Mythologie zeigt sich in dieser üppig illustrierten Ausgabe, die die Götter und Helden zu neuem Leben erweckt.

Wir schreiben die wilden Zwanziger, und in New York grassiert das Jazz-Fieber. Die Menschen strömen in die Nachtclubs und Tanzsäle von Harlem, um Größen wie Louis Armstrong zu sehen, der mit dem Fletcher Henderson Orchestra im Kentucky Club spielt, oder Duke Ellington, der im Roseland Ballroom oder dem weltberühmten Cotton Club auftritt. Entworfen, illustriert und herausgegeben von Robert Nippoldt, huldigt dieses preisgekrönte Werk einer glanzvollen Ära mit einer spannenden Mischung aus virtuoser Zeichenkunst, historischen Fakten und amüsanten Anekdoten. Das Buch stellt 24 herausragende Persönlichkeiten der New Yorker Jazz-Szene in den Roaring Twenties vor. Autor Hans-Jürgen Schaal schildert in seinen Texten eindrücklich die Clubszene, die Bandwettbewerbe sowie legendäre Aufnahmesessions. Eine packende Lektüre mit wunderbaren Musikempfehlungen - nicht nur für bekennende Jazz-Fans! Auszeichnungen:International Book Award, 2014, Los Angeles International Design Award, 2014, Los Angeles Joseph Binder Award, 2014, Wien D&AD Award, 2014, London Good Design Award, 2014, Chicago A' Design Award, 2014, Comö(Italien) Best American Infographic, 2014, New York

Von dem Moment an, als Star Wars 1977 auf die Leinwand kam, war das Publikum zu gleichen Teilen fasziniert und entsetzt von dem Halb-Mann-Halb-Maschine-Hybrid Darth Vader . 1999 begann sein Schöpfer George Lucas , dessen Vorgeschichte zu erzählen: wie er als Anakin Skywalker aufwuchs, unter Obi-Wan Kenobi als Jedi ausgebildet wurde und sich in Padmé Amidala, die Königin von Naboo, verliebte, bevor er sich der dunklen Seite seiner Natur zuwandte und fortan mehr einer Maschine als einem Menschen glich. George Lucas erkannte früh die filmischen Möglichkeiten der aufkommenden digitalen Technologie , die ihn in die Lage versetzte, neue Kreaturen und neue Welten in einem größeren Maßstab als je zuvor auf die Leinwand zu bringen. Lucas drehte den ersten digitalen Blockbuster und stieß auf heftigen Widerstand , als er sich für die Verbreitung von digitalen Produktionsmethoden einsetzte. Digitale Kameras, Schauplätze, Charaktere und Projektionen sind heute in der gesamten Branche üblich. Lucas sorgte als einer der ersten für digitale Standards und popularisierte diese moderne Form des Filmemachens. Dieser zweite Band im XXL-Format , wiederum in enger Kooperation mit George Lucas und Lucasfilm entstanden, behandelt die Entstehung der Prequel-Trilogie - Episode I: Die dunkle Bedrohung, Episode II: Angriff der Klonkrieger und Episode III: Die Rache der Sith . Enthalten sind auch diesmal ein Exklusivinterview mit George Lucas , viele rare Dokumente, Drehbuchseiten, Produktionsunterlagen, Konzeptentwürfe, Storyboards sowie eine Fülle an Fotos aus den Filmen und von den Dreharbeiten .

Seit den Anfängen der Menschheitsgeschichte, quer durch alle Kulturen und Glaubenssysteme , hat man am Himmel nach Anzeichen von sinnstiftender Bedeutung gesucht. Die Bewegung der Sterne und ihr Bezug zum menschlichen Leben ist seit Tausenden von Jahren das zentrale Feld der Astrologie, einer Praxis, die sowohl Ehrfurcht und Verehrung erzeugt als auch das Verständnis von uns selbst und der Welt um uns herum vertieft hat. Die heute gängigen Horoskope als die vielleicht bekannteste Form astrologischen Wissens reichen zurück bis zu den Babyloniern, Ägyptern und Griechen . Wie der Autor Andrea Richards in Astrologie , dem zweiten Band der TASCHEN-Reihe Bibliothek der Esoterik , erzählt, waren Astronomie und Astrologie einst Schwesterwissenschaften: Die Königskammer der Großen Pyramide in Gizeh wurde gebaut, um sich an den Sternbildern auszurichten, die Perser wetteiferten mit den Griechen um die Errichtung der ersten Sternwarte, und sogar Galileo fertigte Horoskope für die Medicis an . Doch mit der Aufklärung und der Geburt exakter Wissenschaften verzog sich die astronomische Praxis an geheime Orte. Von da aus inspirierte sie Literatur, Kunst sowie Psychologie und beeinflusste Künstler und Denker wie Goethe, Byron oder Blake . Spätere Bewegungen wie die Theosophen und die New Agers führten die Praxis wieder zurück in den Mainstream. Diese von Jessica Hundley herausgegebene visuelle Geschichte der westlichen Astrologie ist das erste Kompendium seiner Art, das der symbolischen Bedeutung von mehr als 400 Abbildungen nachgeht - von Höhlenmalereien und illuminierten Manuskripten bis hin zur zeitgenössischen Kunst . Werke von Künstlern wie Leonora Carrington, Alphonse Mucha oder Hilma af Klint spiegeln die Planetenbahnen und den Tierkreis und stehen neben Zitaten von Kepler, Kopernikus oder Campbell . Mit Auszügen aus Interviews mit heutigen Astrologen wie Jessica Lanydoo und Pam Younghans feiert Astrology die Sterne und ihren geheimnisvollen Einfluss auf unser tägliches Leben.

"Ehrliche Leute leben gefährlich!"-Michael Corleone, Der Pate, Teil IIIAls Fotograf mit besonderer Erlaubnis an den Sets und Locations von Francis Ford Coppolas Trilogie Der Pate genoss Steve Schapiro das bemerkenswerte Privileg, legendäre Schauspieler in einigen ihrer denkwürdigsten Rollen zu erleben. Schapiro verewigte Marlon Brando, Al Pacino, Robert De Niro, James Caan, Robert Duvall und Diane Keaton auf Fotos, die zu unübertroffenen (und oft nachgeahmten) Bildikonen wurden. Dieses Buch präsentiert Schapiros beste Fotos aus allen drei Teilen von Der Pate, die anhand der Originalnegative sorgfältig reproduziert wurden. Neben ergänzenden Essays und Interviews zur gesamten Trilogie enthält dieses Buch mehr als 300 Schwarzweiß- und Farbfotos.Schapiros Bilder führen uns hinter die Kulissen dieser ebenso epischen wie legendären Gangstersaga. Sie enthüllen die Arbeitsweise des Regisseurs, zeigen die Stars in Aktion und in privaten Momenten am Set und lassen uns an der Entstehung von Filmgeschichte unmittelbar teilhaben.

Die im 14. Jahrhundert vor unserer Zeitrechnung vergrabenen und von Howard Carter 1922 wieder ans Licht gebrachten Grabbeigaben Tutanchamuns liefern unschätzbare Einblicke in ein längst vergangenes Glaubenssystem. Sie vermitteln ein anschauliches Bild davon, wie die damaligen Zeitgenossen die gefahrvolle Reise durch die Unterwelt ins Paradies sahen, in ein utopisches Ägypten, das man nur nach dem Jenseitsgericht betreten konnte. Als der gefeierte Fotograf Sandro Vannini Ende der Neunzigerjahre seine Arbeit in Ägypten aufnahm, war die technische Revolution bereits im Gange. Die aufkommenden Technologien ermöglichten es ihm, Wandmalereien, Gräber, Tempel und Artefakte in nie zuvor da gewesener Detailgenauigkeit zu dokumentieren. Unter Verwendung der zeitaufwendigen Multishot-Technik fertigte Vannini komplexe fotografische Reproduktionen an, die die Farbnuancen in ihren ursprünglichen Tönen genauestens wiedergeben. Mithilfe dieser atemberaubenden Aufnahmen werden nicht nur wesentliche Merkmale der Artefakte sichtbar, sondern auch die kleinsten, geschickt versteckten Details. Tutanchamun. Die Reise durch die Unterwelt erschien zunächst in einer XL-Ausgabe und ist nun in dieser kompakteren Version erhältlich. Dank Vanninis Fotografien bleiben die kostbaren Schätze in ihrer vollen zeitlosen Pracht erhalten. Von der Einbalsamierung über Opfergaben und Rituale bis zu dem Totengericht des Gottes Osiris und dem ewigen Leben im Paradies - Vanninis Album deckt sämtliche Facetten der altägyptischen Jenseitsreise ab. Im Mittelpunkt steht Tutanchamuns einzigartiges Vermächtnis . Mit Essays und erläuternden Bildlegenden von renommierten Ägyptologen wie Salima Ikram, Peter Der Manuelian, David P. Silverman, Wolfgang Wettengel und Mohamed Megahed lüftet dieser Band so manches der viel diskutierten Geheimnisse. Die kenntnisreichen Texte und atemberaubenden Fotografien machen dieses Buch zu einer würdigen Hommage an die letzte Reise des berühmten Kindkönigs .

Nachdem sich Egon Schiele (1890-1918) aus dem Schatten seines Mentors und Vorbildes Gustav Klimt befreit hatte, blieben ihm noch zehn Jahre, um sich mit einer unverwechselbaren Handschrift in die Geschichte der Moderne einzuschreiben, bevor er, wie viele Millionen andere Menschen weltweit, von der Spanischen Grippe dahingerafft wurde. Als früh vom eigenen Genie überzeugtes Wunderkind und Provokateur aus Leidenschaft fiel ihm das nicht schwer. Seine ausgezehrten, überdehnten Gestalten, seine drastische Darstellung der Sexualität und seine Selbstporträts , in denen er sich hohlwangig zwischen Genie und Wahnsinn inszenierte, hatten so gar nichts von der dekorativen Qualität der Klimt'schen Hymnen an Liebe, Sexualität und sehnsuchtsvolle Hingabe. Schiele war von brutaler Direktheit und stieß die Wiener Gesellschaft damit erfolgreich vor den Kopf. Auch wenn seine Werke später als "entartet" diffamiert wurden und eine Zeit lang fast in Vergessenheit gerieten, haben sie doch Generationen von Künstlerinnen und Künstlern beeinflusst - von Günter Brus und Francis Bacon bis Tracey Emin . Heute erzielen seine damals so missverstandenen Werke auf dem internationalen Kunstmarkt exorbitante Preise. Diese zunächst im XXL-Format veröffentlichte Monografie ist nun anlässlich des 40-jährigen Jubiläums von TASCHEN in einer leicht gekürzten, kompakteren Ausgabe erhältlich und illustriert aus dem fruchtbaren letzten Jahrzehnt seines Lebens Schieles außergewöhnliche Entwicklung auf dem Höhepunkt seiner Karriere . Daneben stehen Essays, die ihn im Kontext des europäischen Expressionismus verorten und den immensen Einfluss nachzeichnen, den sein Werk entfaltete.

Die Zeit von Pieter Bruegel d. Ä. (um 1526/30-1569) war geprägt von starken religiösen und politischen Konflikten. In seine Lebensjahre fallen die Konfessionskriege, die grausame Herrschaft des Herzogs von Alba als Statthalter der spanischen Niederlande und die Gräuel der Inquisition. Bis heute geben Leben und Werk des flämischen Künstlers Rätsel auf. Während die frühe Forschung den volkstümlichen Charakter von Bruegels Werk betonte, messen aktuellere Untersuchungen dem humanistischen Inhalt eine größere Bedeutung bei.Ursprünglich geht seine Malerei auf die Arbeit für den Verleger Hieronymus Cock zurück. Bruegel entwarf zahlreiche originelle grafische Bilderserien, die mit Erfolg in ganz Europa vertrieben wurden. Zu Darstellungen von Tugenden und Lastern gesellten sich lebhafte Bauernfeste sowie eindrucksvolle Landschaftspanoramen. Danach konzentrierte er sich immer stärker auf die Malerei und schuf vor allem Werke für die kulturelle Elite Antwerpens und Brüssels.Bruegel war ein Künstler, der sich mutig mit seiner Zeit auseinandersetzte und durch eigene Denkansätze zu neuen Bildfindungen und Lösungen gelangte. Anstatt die Realität zu verklären, thematisierte er die Grausamkeit der Religionskriege und zeigte sich auch kritisch gegenüber der Kirche. Geschickt verbarg Bruegel seine politischen und religiösen Ansichten hinter einer anspielungsreichen Bildsprache, die den Betrachter bis heute dazu anreizt, hinter den scheinbar harmlosen Alltagsszenen versteckte, hintergründige Botschaften zu entdecken.Basierend auf TASCHENs XXL-Monografie, einem umfassenden Überblick über das Gesamtwerk Bruegels, enthält dieser zum 40-jährigem Jubiläum des Verlages erscheinende, kompakte Band sämtliche 40 Gemälde des Ausnahmekünstlers. Hochwertige Reproduktionen inklusive ausgesuchter Detailaufnahmen sowie kenntnisreiche Texte machen deutlich, wie Bruegel auf geistreiche wie zeitlose Weise das Theater des Lebens einfing, und enthüllen sein überlebensgroßes Universum in beispielloser Klarheit

Ernst Haeckel (1834-1919) war ein deutscher Biologe, Naturforscher, Künstler, Philosoph und Arzt, der sein Leben damit verbrachte, die Tier- und Pflanzenwelt von den höchsten Berggipfeln bis in die tiefsten Weltmeere zu erforschen. Als leidenschaftlicher Verfechter und Fortentwickler der Theorien Darwins verfasste er philosophische Abhandlungen, promovierte in Zoologie und prägte wissenschaftliche Begriffe, die bis in die Alltagssprache von heute vordrangen, wie Ökologie und Stammzelle.Wie der Naturforscher Alexander von Humboldt wollte Haeckel nicht nur entdecken, sondern auch erklären. Dazu fertigte er Hunderte detaillierter Zeichnungen, Aquarelle und Skizzen seiner Forschungsergebnisse, die er im 19. und 20. Jahrhundert in mehreren Bänden veröffentlichte, unter anderem in einer Reihe meeresbiologischer Monografien sowie in seinen prachtvollen Kunstformen der Natur, die als Zusammenfassung seines Lebenswerks betrachtet werden können. Die Drucke waren nicht nur für die Naturforschung von Bedeutung, sondern beeinflussten Generationen von Künstlern und Architekten des 20. Jahrhunderts, vor allem die Vertreter des Jugendstils.Dieser Band zeigt 300 seiner schönsten Tafeln aus seinem berühmtesten Werk, Kunstformen der Natur, und aus den meeresbiologischen Atlanten Die Radiolarien, Monographie der Medusen, Die Kalkschwämme: eine Monographie. In einer Zeit, in der die Artenvielfalt zunehmend durch menschliches Handeln bedroht wird, ist dieses Buch nicht nur ein visueller Genuss, sondern auch eine eindringliche Erinnerung daran, wie wichtig die Vielfalt des Lebens ist.

Tarot zu erforschen bedeutet, sich selbst zu erforschen und daran erinnert zu werden, dass es eine universelle Sehnsucht nach der Verbindung mit dem Göttlichen gibt. Die über 600 Jahre alte Tradition spiegelt nicht nur die Geschichte dieser Suche wider, sondern auch das Urbedürfnis nach künstlerischem Ausdruck, um die Erzählung der Menschheit in sinnhafte Bilder zu fassen.Für viele in der westlichen Welt ist Tarot nichts weiter als eine obskure Scheinlehre, ein überholtes Relikt aus den staubigen Vitrinen des Arkanen. Doch sein geheimnisvolles Wissen hielt dem Lauf der Zeiten stand. Unzählige kreative Köpfe, Mystiker wie Künstler, häufig im Zusammenwirken, reichten die Lehre über die Jahrhunderte weiter. Obskure Schriften und mündliche Überlieferung, aber auch Erkenntnisse von Philosophen und Gelehrten verwandelten das einstige Gesellschaftsspiel in ein profundes Medium der Wahrsagung und Selbsterforschung. Jede folgende Generation fügte dem ihre jeweils eigene Sichtweise hinzu und interpretierte die Karten neu.Die Autorin Jessica Hundley folgt dieser faszinierenden Geschichte in Tarot, dem ersten Band aus TASCHENs Reihe Bibliothek der Esoterik. Das Buch untersucht die symbolische Bedeutung hinter mehr als 500 Karten und Originalwerken - zwei Drittel davon wurden noch nie außerhalb der Decks veröffentlicht. Es ist das erste visuelle Kompendium dieser Art, das vom Mittelalter bis zur Moderne reicht, kunstvoll arrangiert in der Reihenfolge der 78 Karten der Großen und Kleinen Arkana. Es erforscht den starken Einfluss von Tarot als Inspiration für Künstler wie Salvador Dalí oder Niki de Saint Phalle und umfasst die Decks von fast 100 zeitgenössischen Künstlern aus aller Welt, die das Medium für seine Fähigkeit schätzten, kulturelle Identitäten voranzutreiben. Das Buch wird abgerundet durch Textauszüge von Éliphas Lévi, Carl Gustav Jung und Joseph Campbell, ein Vorwort der Künstlerin Penny Slinger, einen Leitfaden zur Lektüre der Karten von Johannes Fiebig sowie einen Essay über Orakel-Decks von Marcella Kroll.

Über 200 Jahre ist es her, dass zwei Brüder aus Kassel, Jacob und Wilhelm Grimm, den ersten Band ihrer Sammlung deutscher Volksmärchen herausbrachten. Im Laufe der Zeit ergänzten sie ihre Sammlung um immer neue Geschichten, bis sie es schließlich auf die beeindruckende Zahl von 200 Märchen und zehn Sagen brachten. Was zunächst ein Versuch war, deutsche Überlieferungen für die Nachwelt zu bewahren, ist heute die nach der Bibel meistgelesene Geschichtensammlung. Von Schneewittchen bis Aschenputtel, von Rapunzel bis Rumpelstilzchen hinterließen die Brüder Grimm einen Kanon von Märchen, die zu Klassikern der Kinderliteratur, einem Teil des Weltdokumentenerbes der UNESCO und einem unverzichtbaren Bestandteil unserer Geschichte und Kultur wurden.Das Leben von Hans Christian Andersen mutet selbst wie ein Märchen an - Charles Dickens zählte zu seinen Freunden und Bewunderern, europäische Fürsten schätzten seine Gesellschaft. Durch Entschlossenheit, Talent, manch glückliche Fügung und eine überbordende Fantasie schrieb er sich, aus verarmten Verhältnissen stammend, in die Weltliteratur ein. Das Märchenreich ohne Andersen? Es wäre arg verarmt und müsste auf Charaktere wie die Schneekönigin, die Prinzessin auf der Erbse, Däumelinchen oder das kleine Mädchen mit den Schwefelhölzern verzichten, aber auch auf viele vorher leblose Dinge, die erst Andersen zum Leben erweckt hat: Silberschillinge und Stopfnadeln, allen voran aber sein standhafter Zinnsoldat.Grimms und Andersens Geschichten haben Generationen von Künstlerinnen und Künstlern inspiriert. So ist jedes Märchen dieses Bandes von einem berühmten Illustratoren farbenfroh bebildert: legendären Zeichnern wie Kay Nielsen (ein führender Exponent des "Goldenen Zeitalters der Illustration", das in den zwanziger Jahren endete), dem Arts-and-Crafts-Meister Walter Crane, Arthur Rackham oder dem Schweizer Werbegrafiker Herbert Leupin. Hinzu gesellen sich Schattenrisse aus historischen Editionen sowie neue Vignetten, die eigens für diese Ausgabe angefertigt wurden und nun wie schwarze Spitze über die Seiten tanzen. Ergänzt wird das Feuerwerk der Phantasie durch einleitende Essays - über die Märchen der Brüder Grimm im Spiegel der Kunst und über Andersen als Herz und Seele des modernen Märchens -, kurze Einführungen zu jeder Geschichte sowie einen Anhang mit den Biografien der Künstler.Dieses Wendebuch enthält auf der einen Seite die Märchen der Brüder Grimm und auf der anderen Seite die von Hans Christian Andersen, jeweils mit eigenem Cover. Folgende Märchen sind enthalten:Brüder Grimm:Der Froschkönig oder der eiserne Heinrich, Der Wolf und die sieben jungen Geißlein, Rapunzel, Hänsel und Gretel, Das tapfere Schneiderlein, Aschenputtel, Frau Holle, Rotkäppchen, Die Bremer Stadtmusikanten, Die Wichtelmänner, Daumerlings Wanderschaft, Dornröschen, Schneewittchen, Rumpelstilzchen, Die drei Federn, Die goldene Gans, Die Gänsemagd, Die zertanzten Schuhe, Die Sterntaler, Der Hase und der Igel, Der gestiefelte KaterHans Christian Andersen:Die Prinzessin auf der Erbse, Die Nachtigall, Der Schweinehirt, Des Kaisers neue Kleider, Zwölf mit der Post, Der standhafte Zinnsoldat, Die Schneekönigin, Ole Luk-Oie, Das hässliche, junge Entlein, Die Blumen der kleinen Ida, Die Hirtin und der Schornsteinfeger, Der fliegende Koffer, Das kleine Mädchen mit den Schwefelhölzchen, Das Feuerzeug

Der Berühmtheitsgrad, den die Rolling Stones im Laufe ihrer fast 60-jährigen Karriere erreicht haben, ist beispiellos; ihre bekanntesten Riffs und eingängigsten Textzeilen haben sich unauslöschlich in unser kollektives Gedächtnis eingegraben. Mit ihrer hypnotisierenden Präsenz auf und jenseits der Bühne setzten die Stones Maßstäbe dafür, wie eine Rockband klingen und sich in Szene setzen sollte. Sie waren die ersten, die instinktiv verstanden, dass das Image einer Band , ihr Aussehen, ihr Style, mindestens so wichtig ist wie die Musik, und dass die Fotografie dabei eine entscheidende Rolle spielt. "Kleidung und Frisuren sind stets tadellos", schreibt der Autor Luc Sante. "Sie spielten immer nur sich selbst, aber mit so außergewöhnlicher Finesse, da sie die Präsenz der Kamera spürten und wussten wie gut sie auf den Fotos aussehen werden." So ist es wenig überraschend, dass viele der größten Fotografen in der Geschichte des Mediums sie fotografieren wollten.f In enger Zusammenarbeit mit den Stones entstanden, zeichnet diese aktualisierte Ausgabe auf über 450 Seiten anhand von zahllosen Fotos und Zeitdokumenten die erstaunliche Historie der Band und ihren unverschämt lässigen Lifestyle nach. Viele der aus Archiven weltweit zusammengetragenen Bilder wurden hier zum ersten Mal veröffentlicht. Zum ersten Mal konnte man auf die privaten Archive der Rolling Stones in New York und London zugreifen , was manche Überraschung bereithält. Für Mick, Keith, Charlie und Ronnie ist dieses Buch das offizielle fotografische Archiv der Rolling Stones. Der Band enthält: über 450 Seiten mit fantastischen Bildern von einigen der berühmtesten Fotografen unserer Zeit , darunter David Bailey, Annie Leibovitz, Cecil Beaton, Anton Corbijn, Herb Ritts, Albert Watson, Andy Warhol, David LaChapelle, Peter Beard, Helmut Newton, Bent Rej, Gered Mankowitz und Norman Parkinson. Essays der preisgekrönten Autoren David Dalton, Waldemar Januszczak und Luc Sante einen ausführlichen Anhang mit einer Chronologie der Bandgeschichte und ihrer medialen Rezeption, einer Diskografie und Kurzbiografien der Fotografen

Seit im Jahr 1977 zum ersten Mal der magische Einleitungssatz "Es war einmal vor langer Zeit in einer weit, weit entfernten Galaxie..." über die Kinoleinwand flimmerte, sind Generationen von Film- und Scifi-Fans Luke Skywalker, Han Solo, Prinzessin Leia Organa, R2-D2 und C-3PO und natürlich dem beliebtesten Schurken und schlimmsten Vater des Universums, Darth Vader, auf ihren abenteuerlichen Reisen durch die endlosen Weiten des Alls gefolgt, haben - je nach der individuellen sittlich-moralischen Grunddisposition - aufseiten der Rebellen oder der Sturmtruppen gekämpft, den Millenium Falken geschrottet, mit Meister Yoda die Syntax verunstaltet und das Lichtschwert tanzen lassen.Mit seiner Sternensaga hat Georg Lucas eine Welt von mythischer Strahlkraft und das Filmfranchise der Kinogeschichte schlechthin erschaffen. Dass er sich bei der Konzeption von Star Wars durch das Buch "Der Heros in tausend Gestalten" des von ihm verehrten amerikanischen Literaturwissenschaftlers und Mythenforschers Joseph Campbell (1904-1987) und der darin beschriebenen archetypischen Grundstruktur der Heldenreise leiten ließ, ist mittlerweile feuilletonistisches Allgemeingut. Dass diese Rezeptur, angereichert mit Westernmotiven, Slapstickelementen, Popcorndialogen und etwas fernöstlicher Spiritualität und in Szene gesetzt mit einem bis dahin unbekannten Aufwand an Tricktechnik und Spezialeffekten, tatsächlich funktionierte und er ein Epos von bleibender Faszination erfunden hatte, kam selbst für Lucas damals überraschend.Dieser Band, entstanden in enger Kooperation mit George Lucas und Lucasfilm, deckt die Entstehungsgeschichte der Originaltrilogie ab - Krieg der Sterne (A New Hope), Das Imperium schlägt zurück (The Empire Strikes Back) und Die Rückkehr der Jedi-Ritter (Return of the Jedi). Er ist vollgepackt mit selten gezeigten Dokumenten, mit Drehbuchseiten, Produktionsunterlagen, Konzeptentwürfen, Storyboards und natürlich einer Fülle an Fotos aus den Filmen und von den Dreharbeiten. Möge die Macht mit euch sein!

Sei es ein kulinarisches Abenteuer im pulsierenden Mexico City, eine meditative Zugfahrt durch Sibirien oder ein Solo-Trip nach Paris: Egal was auf Ihrer Wunschliste ganz oben steht - diese Sammlung präsentiert 100 Traumziele aus den Reiseseiten der New York Times - vier Bände voller Abenteuer in einem . Explorer führt über das Naheliegende hinaus zu nicht ganz so bekannten, exotischen Orten , vermittelt aber auch neue Blickwinkel auf vertraute Urlaubsziele . So berichten namhafte Times -Autoren in der ersten Person von ihren ganz persönlichen Eindrücken: Begleiten Sie Andrew McCarthy auf den Bermudas an rosa Sandstränden und Bougainvillea vorbei, folgen Sie Francine Prose auf den Spuren Virginia Woolfs durch die englische Landschaft oder trauen Sie sich, mit Tony Perrottet ein Boot durch die Lagune von Venedig zu steuern. Explorer . 100 Reisen rund um die Welt - herausgegeben von Barbara Ireland, deren Reiseserie 36 Hours ein Bestseller bei TASCHEN ist - enthält neben persönlichen Empfehlungen viele praktische Tipps , die Ihnen die Planung der Reise erleichtern, dazu eine Fülle postkartenreifer Farbfotos , die das besondere Flair des jeweiligen Orts perfekt einfangen. Abgerundet wird diese Ausgabe durch farbkodierte Registerkarten und ein Lesebändchen zur Markierung Ihrer Lieblingshaltestellen in jeder Region. Selbst in Zeiten, in denen physisches Reisen nur erschwert möglich ist, lädt dieses Buch ein, zu blättern, zu träumen und die Schönheit und Wunder unserer Welt zu bestaunen.

Mit fast 300 Einträgen bietet dieses Lexikon der Baukunst einen unverzichtbaren Überblick über die Schlüsselfiguren bei der Erschaffung moderner Bauformen . Wir stellen Ihnen die wegweisenden Architekten des 19. bis 21. Jahrhunderts mit jeweils einem Porträt, einer Kurzbiografie sowie einer Präsentation ihrer wichtigsten Arbeiten vor. Wie auf einer persönlichen Weltreise durch die Architektur reisen Sie von den Wolkenkratzern Manhattans zu einem japanischen Konzertsaal, von Antoni Gaudí s Palau Güell in Barcelona zu Lina Bo Bardi s Sport- und Freizeitzentrum auf einem ehemaligen Fabrikgelände in São Paulo. Sie erleben Gio Ponti s bunte Geometrien, Zaha Hadid s frei fließenden Futurismus, das lichtdurchflutete Innenleben von SANAA und Charles Rennie Mackintosh s einzigartige Mischung aus schottischer Tradition und elegantem Japonismus. Die alphabetisch angeordneten Einträge umfassen außerdem Gruppierungen, Strömungen und Stile , um diese führenden Architekten besser in ihr zeitgeschichtliches und geografisches Umfeld einordnen zu können, darunter der Internationale Stil , das Bauhaus , De St¿l und viele mehr. Anschaulich illustriert, unter anderem mit einigen der besten Architekturfotografien unserer Zeit , bildet dieser Band ein umfassendes Nachschlagewerk für alle Fachleute, Studenten und Architekturliebhaber.

Als der Comicverlag Marvel im November 1961 Fantastic Four No. 1 veröffentlichte, sollte dies die Populärkultur grundlegend verändern. War das Superheldengenre zuvor vorwiegend eine Domäne eindimensionaler, alltagsferner Helden und schlichter Erzählstränge, schlüpften unter Federführung von Marvel-Kreativchef Stan Lee nun immer komplexere und in ihren Alltagskonflikten glaubwürdige Charaktere in Superheldentrikotagen, um den Mächten des Bösen die Kinnlade zu richten. Kurz: Der Superheld wird sozialversicherungspflichtig, wohnt gleich um die Ecke und weiß auch nicht immer weiter. Neue Helden und narrative Innovationen - eine Rezeptur, die beim Publikum ankommt: Hulk, Spider-Man, Iron Man und die X-Men erblicken das Licht der Welt, Superpatriot Captain America wird aus dem Eis befreit, in dem er seit den 1940er-Jahren überdauert hat, und die Avengers steigen zum mächtigsten Superheldenteam der Welt auf. Daredevil, Doctor Strange und etliche weitere Helden kommen hinzu, und jedem folgt eine ganze Horde abgrundtief böser Schurken. Heute, mehr als fünfzig Jahre später, sind sie allesamt Ikonen der Popkultur und Megastars im Kino und den dazugehörigen Verwertungsketten, und auch ihre Ziehväter von einst, Stan Lee und Zeichner wie Steve Ditko, Jim Steranko, Jack Kirby oder John Romita, sind zu Legenden geworden. Das Marvel-Zeitalter der Comics 1961-1978 führt mitten hinein in diese wegweisenden Jahre, in die Kinderstube von Hulk, Iron Man, Thor, Wolverine und all den anderen, eine Ära, in der das sieche Superheldengenre neu belebt und zukunftstauglich gemacht wurde. Über 500 Seiten voll knallharter Fakten und voller Bilder, die dich aus den Socken hauen! Hundertpro! © 2020 MARVEL

Die Werke Vincent van Goghs (1853-1890) gehören heute zu den bekanntesten und gefeiertsten der Welt. Von den Sonnenblumen über die Sternennacht bis hin zum Selbstporträt mit verbundenem Ohr begegnet man einem Künstler, der einzigartig virtuos in der Darstellung von Textur und Stimmung, Licht und Ort war. Doch van Gogh kämpfte zu Lebzeiten nicht nur mit dem weitgehenden Desinteresse seiner Zeitgenossen, sondern auch mit verheerenden Phasen von Depressionen und Wahnvorstellungen, die ihn schließlich sein Leben kosteten, als er kurz nach seinem 37. Geburtstag Selbstmord beging. Dieser opulente Band über Vincent van Gogh, das gequälte Genie der Kunst des 19. Jahrhunderts, enthält neben Schriften und Essays den vollständigen Katalog seiner 871 Gemälde und zeichnet Leben und Werk eines Künstlers nach, der als einer der bedeutendsten Maler der Geschichte gilt und die moderne Kunst bis heute überragt.

Das Berlin der Goldenen 1920er ist eine Erfolgsstory, die das 20. Jahrhundert seinen Kindern und jetzt auch Kindeskindern immer wieder gerne erzählt: so viel Rasanz, Theatralik, Drama, Lichter der Großstadt, Verkehrschaos, Leben, das laut auf sich aufmerksam macht, will es nicht in Hinterhöfen und Mietskasernen verkümmern, Cabaret, Theater, Funk, Film, Reklame, Bubikopf und Monokel, queere Kieze, Charleston und der "Onkel Bumba aus Kalumba" ; alles rennt, rast und schwoft, jeden Tag breaking news , Sensationen und Spektakel. An dieser Geschichte, deren Strahlkraft heller leuchtet als fünf Millionen Osram-Birnen (Werk Berlin-Friedrichshain), haben viele mitgestrickt: Kunstschaffende, City Girls, Gigolos, Bohemiens, Intellektuelle, Koksbarone, Ringvereine und Politgangster, Wissenschaftler, Sportskanonen und Spekulanten, Dr. Mabuse, Mackie Messer, Maria, der schöne Maschinenmensch und eine endlose Parade von tanzwütigen Nachtschwärmern. Nach den Bestsellern Hollywood in the 30s und Jazz: New York in the Roaring Twenties hat sich Illustrator Robert Nippoldt diesmal mit dem Schriftsteller Boris Pofalla zusammengetan, um den Geist dieses Jahrzehnts in einem atmosphärisch dichten Album einzufangen. Nippoldt stellt nicht nur bekannte Figuren wie Lotte Reiniger, Christopher Isherwood, Albert Einstein, Kurt Weill, Marlene Dietrich und George Grosz vor, sondern auch Thea Alba, "die Frau mit zehn Gehirnen", Magnus Hirschfeld, den "Einstein des Sex", und den berühmt-berüchtigten Ganoven Adolf Leib. Bevor Weltwirtschaftskrise und Naziherrschaft Berlin das Licht ausknipsen, zeigt uns Nippoldt noch einmal alles: die grellen Lichter der Großstadt und das Grau der Fabriken, Hinterhöfe und Mietskasernen, das Geschrei der Sporthallen und die Stille der Theatersäle, den Gesang der Comedian Harmonists und Marlene Dietrich, die sich zylinderbehütet eine Zigarette anzündet und dann - kluge Frau - ein Dampferticket nach Hollywood kauft. Auszeichnungen: ADC Award, 2019, New York iF Design Award, 2019, Hannover A' Design Award, 2019 Como/Italy Econ Megaphone Award, Shortlist, 2019, Berlin Indigo Design Award, 2019, Amsterdam German Design Award, 2019, Frankfurt Best Book Award, 2018, Los Angeles Berlin Type Award, 2018, Berlin Red Dot Design Award, 2018, Essen ADC Award, 2018, Berlin Joseph Binder Award, 2018, Vienna International Design Award, 2018, Los Angeles International Creative Media Award, 2018, Meerbusch Stiftung Buchkunst, Shortlist, 2018, Frankfurt

Bis zum heutigen Tag hat das Werk Jean-Michel Basquiats (1960-1988) nichts von seiner Frische, Spontaneität und Kraft eingebüßt. Der Künstler trat erstmals in den späten 1970er-Jahren in der New Yorker Kunstszene unter dem tag-Namen SAMO in Erscheinung, als er sarkastische Kommentare und Gedichtfragmente an die Wände der Stadt sprühte. Als diese Untergrundszene, geprägt von Street-Art, HipHop, Post-Punk und DIY-Filmemachern, in immer etabliertere Kreise vordrang, fand Basquiats ausdrucksstarke Malerei große Beachtung in der Kunstwelt. Bereits 1981 war er in wichtigen New Yorker Galerien vertreten und bald danach weltweit ein Begriff. 1983 begann seine Zusammenarbeit mit dem damals größten Star der Kunstszene, Andy Warhol, und 1985 zierte Basquiat das Titelbild des New York Times Magazine. Als er im Alter von nur 27 Jahren starb, war er einer der erfolgreichsten Künstler seiner Zeit.Basquiats persönlicher, expressiver Stil setzt sich aus groben Figurzeichnungen und ins Bildfeld integrierten Wörtern und Phrasen zusammen. Inspiriert von den Stars des Jazz, berühmten Boxern oder Basketballspielern, enthält sein Werk eine Vielzahl von Verweisen auf die Geschichte und Politik des street life. So lautete die Antwort Basquiats auf die Frage nach seinen Themen: "Könige, Heldentum und die Straße."Nach unserem XXL-Bestseller über Leben und Werk Jean-Michel Basquiats erscheint nun zum 40-jährigen Jubiläum von TASCHEN diese leicht gekürzte, kompaktere Ausgabe. Hervorragende Reproduktionen seiner Gemälde, Zeichnungen und Notizbuchskizzen ermöglichen ein genaues Studium von Basquiats verschlungenen Zeichen und gekritzelten Wortfragmenten. Der Band enthält eine Einleitung des Herausgebers Hans Werner Holzwarth zum Künstler sowie einen Essay der Kuratorin Eleanor Nairne über Basquiats Themen und künstlerische Entwicklung. Die reichhaltig illustrierten Kapitel folgen den Lebensjahren des Künstlers, zitieren eigene Aussagen sowie zeitgenössische Rezensionen und erläutern persönliche Hintergründe und den historischen Kontext.

Manet nannte ihn "den größten aller Maler". Sein Meisterwerk Las Meninas, das ihn selbst bei seiner Brotarbeit, der PR für das spanische Königshaus, zeigt, während es die Majestäten in einen kleinen Spiegel in den Bildhintergrund verbannt, hat kluge Köpfe wie José Ortega y Gasset oder Michel Foucault nachhaltig beschäftigt und etwa Picasso derart beflügelt, dass er gleich 44 Variationen davon malte. Ob Monet oder Renoir, Corot oder Courbet, Degas oder Dalí und Francis Bacon, viele Stars der Kunstgeschichte haben Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660), der die Malerei zum intellektuellen Unterfangen nobilitierte und Bettler und Narren mit der gleichen Hingabe und Akribie porträtierte wie seine höfischen Auftraggeber, ihre Reverenz erwiesen."Der Prachtband vermittelt einen fast physischen Eindruck von den Porträtierten, dem Spiel von Licht und Schatten auf ihrer Haut, dem Glanz der Seidengewänder und der Textur der kostbaren Stickereien. Ein visueller Hochgenuss, der verständlich macht, warum Velázquez' Malerei Generationen von Künstlern beeinflusst hat", urteilte NDR. Kultur über unsere ursprünglich im XXL-Format erschienene Werkschau des spanischen Malers. Diese Neuausgabe im kleineren Format enthält alle Features der Originalausgabe, exzellente Reproduktionen, Ausschnittvergrößerungen, neue Fotografien erst jüngst restaurierter Gemälde und die aufschlussreichen Kommentare des Kunsthistorikers José López del Rey.

Wie groß muss man sein, um ein Imperium begründen zu können? Mäuserichgroß genügt vollauf: Als am Abend des 18.11.1928 der Zeichentrickfilm Steamboat Willie in New York über die Kinoleinwand flimmerte, war der Grundstein für eine der wenigen Karrieren gelegt, die man tatsächlich uneingeschränkt einzigartig nennen kann. Mickey Mouse, der Held von Steamboat Willie, brachte es in kürzester Zeit zu einer internationalen Popularität, wie sie vorher höchstens Charlie Chaplin vergönnt gewesen war, und leitete den Aufstieg der Disney Company zum größten Medienunternehmen der Welt ein.Heute feiern wir über 90 Jahre der berühmtesten, pfiffigsten und charmantesten Maus der Welt mit einer der umfangreichsten illustrierten Biografien, die es je zu MM gegeben hat. Mit einer immensen Fülle an Dokumenten aus den Disney-Archiven und zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen zeichnen die Autoren alle Stationen von Mickeys Erfolgsgeschichte nach, die sich nicht nur auf Comicstrips und den Zeichentrickfilm beschränkt(e). Hunderte von Illustrationen, darunter die allerersten Entwürfe, Animationszeichnungen, Storyboards, Hintergründe, Plakate und zahlreiche Fotografien, illustrieren vertraute und weniger bekannte Facetten der Maus, die als Botschafter Disneys Weltruhm erlangte: Mickey im Zeichentrickfilm, Mickey im Comicstrip, Mickey im patriotischen Einsatz während des Zweiten Weltkrieges, sein Auftritt als Zauberlehrling in dem abendfüllenden Spielfilm Fantasia, einer ambitionierten und unvergesslichen Visualisierung klassischer Musik, Mickey im TV (The Mickey Mouse Club) u. v. m.Alle Künstler, die Mickey je Leben eingehaucht haben - ob im Trickfilm oder Comic -, werden vorgestellt, angefangen mit dem großartigen Ub Iwerks, und zahlreiche unvollendete Projekte, deren Vorstudien und Storyboardzeichnungen hier zum ersten Mal veröffentlicht werden. Zollen wir dem kleinen großen Kerl, seiner Legende und seinem Vermächtnis mit diesem Denkmal für eine Maus Tribut!Copyright © 2020 Disney Enterprises, Inc.

Bereits ein Jahr nach seiner Ankunft in Hollywood 1914 war der gebürtige Brite Chaplin zum Slapstick-König Amerikas aufgestiegen. Wenig später kannte ihn die ganze Welt - er war der erste internationale Filmstar und bald auch einer der reichsten Männer auf Erden mit einem Millionenvertrag, eigenem Studio und einem festen Mitarbeiterstab. Sein Markenzeichen: die unverwechselbare Silhouette des "Tramps" mit Melone, Stock, ausgebeulten Hosen und übergroßen Schuhen.TASCHEN präsentiert mit Das Charlie Chaplin Archiv das ultimative Buch über die Entstehung sämtlicher Chaplin-Filme. 900 Bilder, darunter Standfotos, Notizen, Storyboards und Fotos von den Dreharbeiten sowie Interviews mit Chaplin und seinen engsten Mitarbeitern bieten Einblick in die Arbeitsweise des Genies - von der spontanen Improvisation der frühen Kurzfilme bis zur akribischen Feinarbeit an Szenen, Einstellungen und Gags in seinen Filmklassikern The Kid (Der Vagabund und das Kind, 1921), The Gold Rush (Goldrausch, 1925), The Circus (Der Zirkus, 1928), City Lights (Lichter der Großstadt, 1931), Modern Times (Moderne Zeiten, 1936) und der unsterblichen Hitler-Parodie The Great Dictator (Der große Diktator, 1940).Das Buch enthält:Chaplins Leben und Werk in Text und Bild 900 Bilder, darunter zahlreiche zuvor unveröffentlichte Standfotos, Fotos von den Dreharbeiten, Aktennotizen, Dokumente, Storyboards, Plakate und Entwürfe sowie Drehbücher und Bilder zu Filmprojekten, die nie realisiert wurden Chaplins Lebensgeschichte in eigenen Worten, gestützt auf seine umfangreichen Aufzeichnungen, von denen viele noch nie zuvor zugänglich waren ergänzende Interviews mit einigen von Chaplins engsten Mitarbeitern Material aus über 150 Büchern mit Zeitungsausschnitten aus den Chaplin-Archiven, die von seiner Frühzeit im Variété bis zu seinem Tod reichen Dokumente zu sämtlichen Kurzfilmen - von Making a Living (1914) bis The Pilgrim (Der Pilger/Gehetzte Unschuld, 1923) - und sämtlichen Spielfilmen - von The Kid (Der Vagabund und das Kind, 1921) bis A Countess from Hong Kong (Die Gräfin von Hongkong, 1967) das englische Originalbuch sowie ein Booklet mit den deutschen ÜbersetzungenDokumente und Fotografien aus dem Chaplin-Archiv: © and/or Property of The Roy Export Company Ltd., eingescannt von der Cineteca di Bologna

Kleider machen Leute. Die Kleidung eines Menschen - egal ob Sari, Kimono oder Anzug - ist ein essenzieller Code seiner Kultur, Schicht, Persönlichkeit oder sogar Religion. Das 1978 gegründete Kyoto Costume Institute würdigt die Bedeutung der Mode aus soziologischer, historischer und künstlerischer Sicht. Mit ihrem breiten Spektrum an historischer Ober- und Unterbekleidung sowie Schuhen und Accessoires, vom 18. Jahrhundert bis in die Gegenwart, zählt die Kleidersammlung des KCI zu den größten der Welt. Geschichte der Mode begibt sich anhand dieser umfangreichen Sammlung auf eine faszinierende Reise durch Modetrends vom 18. bis zum 20. Jahrhundert. Brillante Fotografien zahlloser Kleidungsstücke, fachkundig drapiert an speziell gefertigten Ankleidepuppen, dokumentieren Kleidung als "einen wesentlichen Ausdruck unseres Dasein" und bezeugen die Leidenschaft des Instituts für Mode als komplexe und vielschichtige Kunstform. Zu den Verfassern des Buches gehören einige der klügsten Köpfe und schärfsten Augen im Bereich der Modeforschung: Akiko Fukai (Direktorin des Kyoto Costume Institute und Kuratorin em.), Tamami Suoh (Kuratorin am Kyoto Costume Institute), Miki Iwagami (Dozentin für Modegeschichte an der Bunka Gakuen University, Tokio), Reiko Koga (ehem. Professorin für Modegeschichte an der Bunka Gakuen University) und Rie Nii (Kuratorin am Kyoto Costume Institute).

Norman Rockwell (1894-1978), ein außerordentlich produktiver Künstler, fertigte in seinem Leben rund 4.000 Gemälde an, bei denen die immense Zahl seiner Auftragsarbeiten für Presse, Wirtschaft und Werbung noch gar nicht mitgerechnet ist. Sein Tod im Jahre 1978 wurde als Verlust einer nationalen Ikone wahrgenommen, eines Künstlers, der wie kein anderer den amerikanischen Traum zelebrierte . Experimente und avantgardistische Tendenzen waren Rockwells Sache nicht; brav, idyllisch und meist heiter stellte er Abschlussballszenen, Begegnungen im Diner, Thanksgiving-Essen im Familienkreis und andere beschauliche Szenen dar, die die weiße, amerikanische Mittelschicht in ihrem Gefühl bestärkten, in der besten aller möglichen Welten zu leben. Seine Titelbilder für die Zeitschrift The Saturday Evening Post und für Boys' Life , die Mitgliederzeitschrift der amerikanischen Pfadfinder, machten ihn zu einem Idol des wertkonservativen Amerika , dem man es auch verzieh, wenn er etwa Themen wie die Rassentrennung auf seine moderate Art aufgriff. Rockwell, den US-Präsident Gerald Ford als " lieb gewordenen Bestandteil der amerikanischen Tradition " pries, offenbart in seinen Werken ebenso viel über sein eigenes Talent wie über das Selbstbild der USA im 20. Jahrhundert. Dieser Band zeigt klassische Werke aus seinem heiteren und sonnigen Portfolio, aber auch einige ungewöhnlichere Arbeiten, die sich mit den Schattenseiten der Vereinigten Staaten auseinandersetzen.

Fotos haben eine merkwürdige Macht, unsere Wahrnehmung zu formen. Die bekanntesten Bilder gelangen ins kollektive Bewusstsein , definieren Epochen, schreiben Geschichte oder berühren etwas so fundamental Menschliches und Universelles , dass sie weltweit nachwirken. Um diesen einzigartigen Einfluss zu erforschen, beschreibt und analysiert Photo Icons 50 ausgewählte Meilensteine der Fotogeschichte. Von den allerfrühesten Fotografien wie Nicéphore Niépces in achtstündiger Belichtung entstandene Aufnahme eines Daches (1827) und Louis Daguerres berühmte Straßenszene (1838) bis hin zu zeitgenössischen Künstlern wie Martin Parr ist dies ebenso eine Geschichte des Mediums wie eine Fall-für-Fall-Analyse seiner sozialen, historischen und künstlerischen Wirkung . Photo Icons enthält experimentelle surrealistische Aufnahmen der 1920er und Bilder des düsteren Fotorealismus der 1930er Jahre wie Dorothea Langes Migrant Mother . Wir erleben die Macher (Che Guevara) und die Herzensbrecher (Marilyn Monroe), sowie überhaupt die gesamte Bandbreite menschlicher Emotionen und Erfahrungen , von denen die Fotografie so lebendig zeugt: Doisneaus berühmten Kuss vor dem Rathaus (1950) oder den Schrecken von Nick Uts Napalm gegen Zivilisten (1972), das die neunjährige Kim Phúc zeigt, wie sie nackt vor einer Napalmwolke fliehend auf die Kamera zuläuft.

Mit seinen Drucken, Plakaten, Gemälden und Zeichnungen verewigte Henri de Toulouse-Lautrec (1864¿1901) das Nachtleben der Pariser Belle Époque und rückte den Stadtbezirk Montmartre nachhaltig ins Interesse von Kreativen und Hedonisten in aller Welt.Fasziniert von dieser Welt des Zwielichts, zog es den kleinwüchsigen Spross aus altem französischen Adel in die Cafés, Cabarets, Dance-Halls und Bordelle des Pariser Vergnügungsviertels. Ihr Personal bot ihm, wie er selbst fand, ein "Theater des Lebens". Nicht nur dessen Stars wie Yvette Guilbert oder Aristide Bruant treffen wir auf seinen farblich hochraffinierten Gemälden, Lithografien und Plakaten, sondern auch die kleine Artistin oder Tänzerin, deren ausgemergeltem Körper man die Strapazen ihres Alltags ansieht.Wie kein zweiter Künstler bannte Toulouse-Lautrec die Jagd nach flüchtigen Vergnügungen während der Belle Époque auf die Leinwand, Jahre, in denen in Paris ein Tanz auf dem Vulkan stattfand. Hier die Halbwelt zwischen Rausch und Verzweiflung, dort eine Herrenklasse mit Zylinder und Zigarre: Toulouse-Lautrec überlieferte uns von beiden unvergessliche Bilder voller Schärfe und Mitgefühl.

Im Alter von sechs Jahren wollte Salvador Dalí (1904-1989) Koch werden, im Alter von sieben Napoleon sein. "Seitdem", sagt er später, "ist mein Ehrgeiz und damit mein Größenwahn stetig gewachsen. Jetzt will ich nur noch Salvador Dalí sein, das ist mein größter Wunsch." Dieser gewichtige Band ist die umfassendste Studie über Dalís Gemälde, die je veröffentlicht wurde. Nach jahrelanger Forschung gelang es Robert Descharnes und Gilles Néret, nahezu sämtliche Bilder des extrem produktiven Künstlers aufzuspüren. Viele Werke waren seit Jahren nicht zugänglich, fast die Hälfte der hier enthaltenen Abbildungen hatte vorher kaum jemand zu Gesicht bekommen. Weit mehr als ein Werkverzeichnis, untersucht dieses Buch Dalís OEuvre und seine Bedeutung im Kontext von zeitgenössischen Dokumenten, eigenen Schriften, Zeichnungen, Skizzen und Ephemera sowie sonstigen, für seine Arbeit relevanten Bereichen wie Ballett, Kino, Mode, Werbung oder Kunsthandwerk. Die Studie gliedert sich in zwei Teile: Der erste Teil untersucht die Anfänge Dalís als noch unbekannter Künstler . Wir erleben, wie der junge Dalí sämtliche vorherrschenden Stile - Impressionismus, Pointillismus, Kubismus, Fauvismus, Purismus und Futurismus - mit spielerischer Meisterschaft einsetzt und sich von Trends inspirieren lässt, bevor er sich darüber lustig macht. Der zweite Teil präsentiert die Ergebnisse von Dalís lebenslangem Anreiz, die Dinge zu hinterfragen, sowie das große Vermächtnis, das er in Werken wie Der Thunfischfang (1966/67) oder Der halluzinogene Torero (1970) hinterlassen hat. Der Band enthält bisher unveröffentlichte Hommagen an Velázquez oder Michelangelo - Variationen zu Alten Meistern, wie sie etwa zur gleichen Zeit auch Picasso anfertigte.

Rembrandt schuf über 80 Selbstdarstellungen in Form von Gemälden, Radierungen und Zeichnungen - mehr als jeder andere Künstler vor ihm. Das Selbstporträt war ihm vor allem stilistisches Experiment . Ob als verschmitzter junger Mann, in der Pose des Soldaten oder Orientalen, im biblischen oder mythologischen Gewand, mal als Melancholiker an der Staffelei, dann wieder als Bürger im Sonntagsstaat - jeder expressive Pinselstrich, jeder verschleierte Gesichtszug diente der Charakterisierung einer jeweils anderen Facette seiner Person. Durch die präzise Erfassung von Stimmungen, Mimik, und teils flüchtigen Momenten revolutionierte Rembrandt die Kunst des Selbstporträts . Nicht der repräsentative Idealtypus stand primär im Mittelpunkt, sondern die genaue Beobachtung eines Künstlers, der selbst sein häufigstes Modell war. Neben ihrer stilistischen Vielfalt und dem Gespür für das Menschliche bestechen die Werke durch große Experimentierfreude : die feinen, mit grober Rohrfeder in die feuchte Patina geritzten Locken, die subtil Licht reflektieren. Oder die radierten Bildnisse als virtuose Fingerübungen in der Darstellung des eigenen Mienenspiels. Anlässlich des 350. Todestages des Künstlers präsentiert dieser Band sämtliche Selbstporträts - von den ersten Werken im Alter von 22 bis zum letzten Bildnis, das kurz vor seinem Tod entstand.

Jackson Pollock (1912-1956), Rebell und tragischer Held des Abstrakten Expressionismus, wurde bereits zu Lebzeiten mythologisiert. Der "Hemingway der Malerei" hat dem Publikum alles geboten, was man von einem Genie erwarten darf: Trunksucht, Rowdytum, Größenwahn, Depressionen, einen frühen Tod in einem Autocrash und eine Kunst, wie es sie vor ihm nicht gegeben hat. Mit seinen abstrakten "Drip Paintings" schlug er ein gänzlich neues Kapitel der modernen Kunst auf.Nachdem er zu Beginn seiner Laufbahn noch figurativ gearbeitet und Einflüsse von den Surrealisten bis zur mexikanischen Wandmalerei verarbeitet hatte, fand er in der zweiten Hälfte der 1940er zu einem Stil, den er zwar nicht erfunden hatte, aber weltberühmt machen sollte. Als prominentester Vertreter des "Action Painting" kehrte er konventionellen Maltechniken den Rücken zu und schuf abstrakte Gewebe, indem er Industriefarben mit Stöcken oder eingetrockneten Pinseln auf die Leinwand spritzte oder direkt aus den Farbtöpfen tropfen ließ.In den auf diese Weise entstehenden Geweben aus Schlieren, Schwüngen, Tropfen und sich überschneidenden Rinnsalen spiegelte sich so auch der Bewegungsduktus des Künstlers wider. Um zu verhindern, dass der Betrachter in seinen Gemälden nach etwas Figürlichem sucht, gab Pollock ihnen eine Zeit lang keine Titel mehr, sondern identifizierte jedes seiner Werke lediglich durch eine Nummer.Pollock hatte ungeachtet seiner Erfolge in der zeitgenössischen Kritik stets mit schweren existenziellen Krisen zu kämpfen, die sein kurzes Leben überschatteten, der Legendenbildung jedoch durchaus förderlich waren. So ist diese Einführung in sein revolutionäres Werk auch die Geschichte einer medialen Inszenierung, die der gängigen Fantasie von Genie und Wahnsinn folgt.